音乐美学论文
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在平时的学习、工作中，大家都经常看到论文的身影吧，论文是探讨问题进行学术研究的一种手段。相信很多朋友都对写论文感到非常苦恼吧，下面是小编为大家收集的音乐美学论文，希望对大家有所帮助。
音乐美学论文1
在音乐教学中，中国传统音乐美学是一种传统的教学，它也得到了音乐节人们的广泛认可。但是究竟什么是中国传统音乐美学，很少人清楚它真正的意义。他到底是一种什么类型的科学，谁也没有进行深入的了解。在进行传统音乐教学的过程中，人们往往更多在意的是学术上面的研究。很少会在站音乐美学的角度进行研究。导致这种现象出现的因素有很多种，但是主要的因素只有一个，就是具备完善的中国传统音乐美学建设的意识，根本没有完全了解中国传统音乐美学建设的真正含义。下面我们将进一步对中国传统音乐美学建设的问题进行探究。
一、中国传统音乐美学的含义
中国的音乐美学主要分为三种，第一种是一般音乐美学;第二种是中国特色音乐美学;第三种是外国特色音乐美学。其中，中国特色音乐美学又包含三种美学，第一种是古典音乐美学;第二种是近现代音乐美学;第三种是中国传统音乐美学。由于中国具备悠久的文化历史，这也给中国传统音乐美学建设上提供了有利的条件。最初，中国传统音乐美学的建设主要是受到儒家思想的影响，并将其所表达的内容融入到音乐中来了。进而形成一种传统的音乐表达形态。但是，根据目前的情况来看，中国传统音乐美学和我国的古代音乐美学或者一般音乐美学进行比较，我国的传统音乐美学建设仍处于落后的状态。主要的原因就是在中国传统音乐美学建设理论上存在着一定的之后从而使得实践上出现一定的制约，进而导致我国传统音乐美学在发展上受到一定的阻碍。怎样才能让中国传统音乐美学真正的融合到现在的音乐中来，并打造出具有独特特点的中国式传统音乐美学，是我国音乐美学建设中首要处理的问题。我相信，通过不断的实践和研究，我国的传统音乐美学的发展会越来越好。
二、中国传统音乐美学与相关学科的区别
(一)中国传统音乐美学和一般音乐美学的区别
中国传统音乐美学特殊性主要表现在它的本质上、研究对象以及研究方式上。和一般的音乐美学进行比较。一般音乐美学主要是指音乐美学的基础。长期以往，一般音乐美学给人的感觉就是一种具有共性的教学方式。而和中国传统音乐美学相比，它们之间存在着一种共性和个性、普遍性和奇特性的联系。这也就是所中国传统音乐美学起源于生活又高于生活。所以。中国传统音乐美学和一般音乐美学在研究上，是处于一个平面上。但是在个性上，中国传统音乐美学和一般音乐美学存在着很大的差异，两者之间完全是处于两种不同的音乐关系。我们只有认清楚这一点，才能保证中国传统音乐美学更好的建设。
(二)中国传统音乐美学和中国古代音乐美学的区别
一谈起中国古代音乐美学，我们就想到《乐记》。人们往往会觉得中国传统音乐美学就是中国古代音乐美学，这种思想是错误的。中国古代音乐美学主要来源与古代，但是中国传统音乐美学主要是将古代的思想和理念以新的方式进行展现。就拿《乐记》举例来说，它就是中国古代音乐美学。根据目前的情况来看，中国传统音乐美学和中国古代音乐美学的本质区别主要体现在两个方面，第一个是时代背景的不同;第二个是学术意境的不同。因此，在进行中国传统音乐美学建设时，要对中国传统音乐美学进行全面的研究，并将其真正的含义进行充分的挖掘，才能将中国传统音乐美学进行传承。
三、中国传统音乐美学建设存在的问题
(一)中国传统音乐美学建设须完善传统音乐形态
在进行中国传统音乐美学建设的过程中，主要研究的对象就是音乐的形态。即使音乐的旋律再优美，还是需要物理形态进行表达。在进行形态表达时，我们可以采用阐述的方式进行表述，进而将中国传统音乐美学的形态进行充分的展示，这样不仅可以实现音乐美学的形态研究，同时也能推动中国传统音乐美学建设工作的顺利开展。
(二)中国传统音乐美学建设要与文化相互联系
中国传统音乐美学的建设的根本就是文化的建设，因此，音乐是传递文化的`有利手段。在中国传统音乐美学建设时，首先要对我国的文化背景进行全面的了解，进而才能推动音乐美学的更好发展。在美学建设时，只是一味的对美学的性质进行研究，没有将文化融到在建设中来，这也就是不真正的美学。因此，只有将音乐和文化进行充分的结合，才能保证我国传统音乐文化建设的更好发展。
(三)中国传统音乐美学建设要与现代音乐美学相互联系
在中国传统音乐美学建设中，溶图现代音乐美学，这可以保证音乐美学更好的传承，进而提高音乐美学的自身价值。我们可以利用具备中国特色的结构体系，来实现传统音乐美学的建设，把中国传统音乐美学建设和现代音乐美学进行紧密的联合，这样不仅可以达到传递中国传统音乐美学的目的，也能将中国传统音乐美学更好地传承下去。
综上所述，随着对中国传统音乐美学的研究不断深入，人们也开始将音乐美学建设的重点逐渐转移到美学的性质和内环上，通过对中国传统音乐美学建设的重要性进行全面的了解，进而实现中国传统音乐美学更好的发展。希望通过本文的阐述，可以给中国传统音乐美学的建设方面提供些许的意见。
音乐美学论文2
前言
在声乐表演中，音乐美学是其最重要的基础和指导原则，表演者在进行声乐表演时，需要具备良好的审美意识、创造力，这样才能将表演中熟练的技巧、表演艺术体现出来。另外通过音乐美学，还能将声乐作品的特征、风格用独特的视角演绎出来，并引起观众的认可，因此，对声乐表演而言，音乐美学发挥着十分重要的作用。
1、音乐美学的概述
音乐美学是美学的一个重要分支，是音乐和美学的结合体，同时音乐美学也是音乐的重要基础理论学科。音乐美学的本质是对音乐的美进行研究，具体内容包括音乐形式、音乐特征、人类想象、情感、感知等与音乐的关系。音乐美学是一种社会科学，是通过理性的方法对音乐艺术进行探究，音乐美学涉及到的范围很大，社会科学、自然科学等领域中的研究成果，都可以对音乐形式进行探究。利用音乐美学，能极大的促进音乐艺术的发展，提高音乐艺术的欣赏价值。
2、音乐美学对声乐表演的重要作用
音乐美学对声乐表演的作用不言而喻，首先音乐美学是声乐表演的基石，声乐表演不仅仅是对技术的一种表现，更重要的是将声乐作品的内涵展现出来，这才是音乐的本质。在声乐表演中，最重要的是将作曲家创作作品的情感、意图、利用作品传达的思想表现出来，同时还需要表演者将自己对作品的.理解、感受表达出来，这样才能获得良好的表演效果。通过音乐美学的应用，能实现声乐表演过程中的音乐创作，并从音乐美学的审美特点出发，将节奏、音高、音程、音色等声乐的基本形式体现出来。在具体的声乐表演中，往往对表演者的审美有很高的要求，表演者不仅需要对作品本身进行鉴赏，还需要结合自身的感触去演绎作品，可以说声乐表演是表演者内在感触和外在感知有效结合的审美活动，这就需要利用音乐美学来提升声乐表演的审美价值，从而提高声乐表演的欣赏性。由此可见，音乐美学对声乐表演有十分重要的作用。
3、声乐表演中的音乐美学
在声乐表演中，表演者在与观众互动过程中会形成审美对象，对于表演者，也就是声乐表演的主体，其表演有演唱、外在形式两种情况，表演者的表演是构成审美对象的基础，而观众的视觉、听觉、意识是审美意识形成的基础，因此，在对声乐表演中的音乐美学进行分析时，需要从表演主体和观众两方面进行。
3、1声乐表演中表演主体的审美意识
对于声乐表演，其本身就是一个比较具体的过程，其表述的内容是表演者内心活动的外在体现，因此，表演者在实际表演中，承担着声乐作品二度创作的任务，是声乐作品首次创作（作曲家创作作品）和作品三度创作（观众对声乐作品的欣赏）的连接桥梁，表演者不仅需要将作品本身的内涵表现出来，还需要满足观众的审美需求。在声乐表演中，是通过视觉、听觉共同实现的，声乐表演本身就是表演者个人[文秘站：]审美情感的外在体现，因此，声乐表演中的音乐美学与表演主体的审美意识有很大的关联。
在声乐表演中，人们经常会发现这种情况，不同的表演者，即便演唱同一首歌，演绎出来的效果也存在很大差异，其主要原因就是表演主体的音乐文化修养有一定差异，导致其审美观念也存在一定偏差，最终造成演唱效果不同。作曲家在创作作品时，只是将没有灵魂的音符书写在乐谱上，作品的情感、内涵都需要表演者自己体会，并赋予作品生命力。在科学技术如此发达的今天，人们还是很喜欢真人演唱表演，其主要原因就是人们在欣赏表演者个体的创作性表演，这里面渗透着表演者的智慧、情感，这是非真人表演无法代替的。
人们之所以普遍喜爱音乐，其主要原因是音乐表演经过不同表演者的创作，会产生不同的效果，并且会引起不同观众的共鸣。有很多优秀的表演，会超出作曲家的预想，让作品的情感、内涵更加形象，因此，表演主体的审美意识是声乐表演中音乐美学的重要体现，是实现声乐作品二次创作的重要环节。
3、2声乐表演中观众的审美意识
每一个音乐作品都有其历史风格，不同时期演绎出来的声乐作品有不同的效果，同时不同时期的音乐作品，在不同表演者手中也有不同的处理方式，很多表演者在进行声乐表演时，会在作品一次创作的基础上，注入自己的理解、风格及情感，这就造成了不同的审美价值，但是表演者的审美并不能代表观众的审美，表演者必须结合所处时代进行作品演绎，这也就是音乐美学中的“尊重作品历史背景，用当代人的眼光进行表演”。只有用当代人的眼光，对作品进行分析，并从中找出符合时代要求的新元素，这样才能满足观众的审美情趣，实现作品的当代性与历史性相结合，获得最佳的声乐表演效果。
对于不同民族的观众，其音乐审美观念有很大的差异，这也导致当前声乐表演中，作品的旋律、节奏、音阶、曲风、结构等有很大的差异，例如拉丁民族的音乐，其风格注重热情，并且带有一定的轻浮气息，这种风格有很多观众难以接受，但对拉丁民族来说，这是最优美的音乐；而对于日耳曼民族的音乐，其风格典雅含蓄，含有深刻的哲学含义；嘻哈音乐充满了乐观、积极的精神。因此，声乐表演必须从观众的角度出发，结合观众的审美意识，演绎满足观众审美要求的作品，这样才可以获得观众的认可，获得预期的表演效果。
在声乐表演中，“情”是十分重要的一个环节，是激发观众想象的重要元素，优秀的表演者会在对作品进行处理时，注入自己的真是情感，以引起观众的共鸣，唤醒观众内心最深处的情感，给观众留下最深刻的印象。因此，对声乐表演中的音乐美学而言，情感体验是十分重要的一个环节，也是最能满足观众审美需求的元素，表演者在进行声乐表演时，必须将注重自身的情感体现，对作品进行再次发现、再次创作，挖掘作品每一个情感元素，赋予其新的生命力，并利用优秀的情感表现能力将其表现出来，这样才能满足观众的审美需求。很多时候表演者的情感投入过于虚假，往往会引起观众的反感，因此，声乐表演必须注重情感的真实投入。
4、总结
声乐表演本身就是将艺术和音乐有效地结合在一起，给人一种情感、理智完美结合的艺术美，通音乐美学，能对声乐表演进行深层次的修饰，提高声乐表演中的艺术价值，因此，表演中必须充分重视声乐表演中音乐美学的重要作用，结合优秀的表演技巧、真实的情感体验，演绎出符合观众审美需求的作品，给观众一种艺术美的精神享受。
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关键词：音乐情感审美
摘要：优秀的音乐作品具有永恒美的特质，有时我们可以凭直觉感受到，有时需要一个学习、理解，逐渐深入，领悟的过程。如何去表现音乐作品，领悟作品中的情感，使之更生动真切，这就需要对其尽可能的理解准确，感受得深，音乐作品的情感表现与倾“听”是分不开的。
音乐是文化形式中最纯粹的精神文化形式和精神活动方式，同时又是最直接的情感活动形式。德国古典哲学家黑格尔在《美学》强调音乐的内容是感情的表现，说：“在这个领域里音乐扩充到能表现一切各不相同的特殊感情，灵魂中的一切深浅不同的欢乐、喜悦、谐趣、轻浮、人性和兴高采烈；一切深浅不同的焦躁、烦恼、忧愁、哀伤、痛苦和惆怅等，乃至敬畏崇拜和爱之类的情绪都属于音乐所表现的特殊领域。”
一、作品的情感
音乐的情感表现，是把我们内心从音符中感受到的东西，通过弹奏乐音的方式显现出来。简言之，就是内心感受在乐音上的显现。音乐作品的情感表现具体是通过旋律、节奏、音色、等音乐手段来实现的。而音乐风格是指音乐作品来表现音乐内容的方式、形式、方法等方面的总的特征。古典主义的音乐风格讲究形势美，它美化生活，从理想的高度观察生活，给生活以永恒，感官上易于听辩强弱；古典主义的音乐作品遵循美学的原则，对称、平衡，具有唯美主义特点；浪漫主义更像是一种年轻，充满对未来欲望的表现；表现主义强调艺术表现人的情感，体现情感论音乐美学的观点。
个性也可称为人格，反映一个人整体的精神面貌，它具有一定倾向性的心理特征。人受到的文化环境不同，就产生了不同的审美认知和审美习惯，展现出不同的审美特征。例如，现在多数年轻人难以接受传统戏曲音乐，老人一般也都不能接受前卫的摇滚音乐，认识这样的音乐过于嘈杂喧闹，毫无音乐美感，因此他们对音乐作品的情感审美力也会千差万别。现代社会中，生活节奏不断加快，压力不断增大的人们越来越需要音乐，这种贴近于情感的艺术来调节，而对于那些充斥着不协调的、冷冰冰的、机械的现代“纯音乐”，除了好奇和惊讶之外，便不会再有更多的兴趣。在我个人看来“音乐是情感的艺术”应该是一条永远不变的真理，它抓住了音乐最本质的东西，它有丰富的内涵并与人的思想有着密切的联系。从某种角度来讲，在音乐中，人的情感才是最重要的!这就要求表演者无论是从演奏技术上还是音乐美学思想上都有有所研究，才能更好地表现作品的情感。
二、作品的倾听
音乐是声音艺术，听觉是人类最重要的感官之一。音乐是一种抽象的声音表现，要掌握其特点只有依靠听觉的记忆。如果我们没有把所选择的乐曲仔细消化吸收，很容易就会变成走马观花，只知其貌而感觉不到内涵。对一首作品要有深刻的了解和印象，主要的'就是多次的反复聆听。一般来说，在反复聆听的过程中，已经能够逐渐了解到音乐作品中的细腻变化。比如《夕阳箫鼓》，这首中国经典的钢琴曲，旋律委婉质朴，节奏多变，虽为钢琴曲，但依然能够听出弦乐器特有的音调。我们注意到了旋律线的起伏，感受到了节奏的转变，随后注意到音色的转化，脑海中展现了一幅夕阳映江、晚风轻抚、江楼钟鼓的画面，这就是真正进入了音乐。 好的音乐作品是人对生活感受的抽象反映，具有强有力的听觉、视觉等感官冲击力，让听众产生强烈的情感激荡，当它能够满足听众需要的时候就会产生一种期待感，刺激着听众的感官期待下次的继续聆听。好听即为美，但真正做起来却很难。美为和谐，不仅是作品表现的自然，身心也要融入到其中，是听还是看，一切皆为自然流露，达到一种赏心悦目。音乐使听者的心灵得到提升，给人一种精神的慰藉和心灵的共鸣。它比一般的语言更为深刻，比文字更为动人，音乐翩然而来，令人无法抗拒的感觉，不自觉的融入其中。日常语言是具体的，有条件的、有限度的；而音乐语言则是抽象的、感性的，直接作用于人的感觉器官且难以捉摸。音乐的语言，不是任何单纯的“说”就可以表达的情绪语言，它是思想上无法用具体语言表述的。
平时还要注意多收集不同风格的各类作品，多听，多分析，多比较，来加强内心对音乐的感受和理解，提高自我的情感审美能力。把乐曲中体会到的美和自己在生活中亲身经历过的体验融合起来。比如，当我们从一首乐曲中体会到一种欢乐的美感时，很自然地，也会联想起我们自己曾经有过的欢乐情绪。当我们在弹奏中把这两种欢乐合而为一时，那就既表现了乐曲的，也表达了自己的欢乐。对作品多加揣摩，主动参与把自己对作品的理解表现出来，力求真实再现作品风格。一部好的音乐作品，最突出的特性就是听众可以在欣赏作品的第一时间里感受到作者的情思，乐曲很好地表达了作者想要抒发的意境和思想，使整部作品犹如作者自身命运和心灵的写照，让人为之动容。音乐作品的情感表现不仅要合二为一，还要注意必须忠实地反映原作者的创作意图，除了内心对音乐的感受和理解外，还必须结合扎实的钢琴弹奏技术，才能真正有效的表现好音乐。
音乐情感表现是目的，弹奏技术是手段，二者相辅相成、相得益彰。只有具备了乐曲的内涵和个人的体验，才能生动感人，令人信服。一部好的音乐作品，最突出的特性就是听众可以在欣赏作品同时感受到作者的情思，乐曲很好地表达了作者想要抒发的意境和思想，使整部作品犹如作者自身命运和心灵的写照，让人为之动容。音乐改变的不是人的心态，而是在音乐中提升人使其状态与理性，更完美的结合。
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摘要：音乐是通过有组织的声音形态来表达情意，欢快的音乐可以使人心情舒畅，缓解生活中的压力。我国音乐文化产业的发展比较迅速，音乐美学对音乐文化产业的发展起到积极的促进作用，通过美学的加入可以更好地诠释音乐的内涵。通过了解我国音乐美学的兴起与发展，阐述我国音乐文化产业的内涵，分析音乐美学在音乐文化产业发展中的具体作用，并且针对音乐文化发展过程中如何培养美学内涵给出几点合理化建议。
关键词：音乐文化产业；音乐美；相互联系
引言
音乐是一种特殊的艺术表达形式，需要完美的表演技术与美学思想作为指导，人们对音乐的接受与满意程度取决于音乐本身所表达的意境，音乐的流传要给人们留下深刻的印象。为了体现音乐的自身价值，需要在音乐作品中融入美学元素，人们在创作音乐的同时就会对美学的问题进行思考，音乐的美学是研究音乐与人们感官理智的学科，通过美学促使音乐产业的发展更加完美，人们通过对音乐的欣赏可以丰富精神生活，提升精神境界。
一、我国音乐文化产业的内涵
音乐文化产业是文化产业的重要组成部分，在我国文化产业发展的进程中，艺术市场占据了重要地位。从产业经济学的角度分析，音乐产业包含的范围比较广，主要包括核心音乐产业、数字音乐也以及唱片业，同时也包含了一些与音乐产业有关的外延性产业，例如音乐设备的制造、音乐软件的开发等，音乐文化产业还包括与媒体相融合的相关产业，例如音乐广播、音乐电视、网页制作等。我国的音乐文化产业具有一定的创新性，所有的音乐文化活动都是在音乐文化背景下的创新活动，依靠人们的想象力与创作灵感，借助现代的科学技术对音乐文化资源进行进一步的提升。对于音乐文化产业，其核心要素是信息、文化、技术等无形资产，在音乐产品的价值中，无形资产的附加值比例明显高于普通产品。
二、我国音乐美学的兴起与发展
音乐美学近几年得到广泛的发展，是一门对音乐进行哲学式的思考学问学科，经历了非常漫长的发展过程，最早可以追溯到春秋战国时期。历史思想家结合当时的音乐实践，从不同的角度对音乐进行论述与思考，从音乐的本源方面及音乐的美感方面，甚至从音乐的内容及形式方面对音乐进行阐述，这些阐述都以音乐思想的形式存在，当时还没有形成专门意义的学科。美学是一门学科的特指概念，由德国哲学家鲍姆嘉提出，他认为，人的精神生活大致可以分为情、意、知三个方面，理性可以通过逻辑学来研究，意志可以通过伦理学来研究，只有情感，一直没有相应的学科来进行研究，所以建立以一个全新的学科专门来研究人们的情感，从而产生了美学这一学科。音乐美学在我国出现是在20世纪20年代，距今只有几十年的时间，由中央音乐学院美学教学起到了带头与骨干的作用，音乐美学是音乐与美学有机结合的一门交叉学科，是具有哲学性质的音乐基础理论学科，音乐美学是通过美学的方法与观点来研究审美与音乐美的美学，同时也是音乐学中比较侧重于研究音乐艺术规律与特征的一门基础性理论学科，音乐美学是美学的一个分支，通过美学的原理来研究艺术中的美学问题，音乐美学的建设与发展会使美学研究的内涵更加完善，更加具有说服性。音乐美学同时又是一门具有哲学性质的基础理论学科，音乐美学作为基础理论，其作用在于对音乐的评论提供强有力的原理。作为音乐评论者自身也要有较高的美学修养，能够自觉地把美学作为音乐品论的理论基础。音乐美学主要以研究音乐艺术的美学规律，把音乐美学的发展历史作为研究对象，研究人与音乐的审美关系问题，分析人与音乐的本质关系，揭示音乐艺术的美学本质相关问题。
三、音乐文化产业中的美学规律
我国音乐文化产业中，音乐曲式的结构是对客观事物运动过程以及人的情感运动过程的逻辑概括，音乐在时间发展过程中会呈现不同的形态特征，在不同的音乐文化中，人们的审美追求是大有不同的，不同的曲式结构体现出不同的审美特征，在追求音乐结构美的同时，不但有人们文化心理的原因，而且还有人们普遍存在的审美心理需求，是音乐文化产业从生活事件到艺术事件的有效转变，艺术性质强的音乐是存在一定结构的，作曲家们通常把音乐创作分为三个层面：感官层面、音乐层面和表达层面，感官层面是通过音乐来刺激自身的内在感觉，音乐层面是在感受音乐的同时，进一步关注音符组合的方式，表达层面是要研究乐曲所表达的真正含义，如果不去认真分析乐曲的音乐结构，优美的音乐就会变成一团乱麻。
四、美学在音乐文化产业中的意义与功能
音乐文化产业在我国得到了很好的发展，受到人们的一致认同，我国独特的美学特色理论推动着音乐文化的发展，无论是社会心理、大众文化的载体，还是娱乐媒介与音乐艺术，都需要独特合理的美学特点，美学观点建立的重要指导思想就是传统的美学思想，我国音乐文化产业的发展要建立起中国流行音乐的美学意蕴，用流行音乐来表现传统文化，传统美学的思想要渗透到音乐当中，使音乐更加具有开拓性，相互依存，开创出流行音乐在中国的未来发展之路。美学在音乐文化产业发展过程中的功能如下：1.对音乐的传播与发展。美学在音乐文化产业中起到传播与发展的作用，很多音乐作品都是通过表演者的二度创造之后才被听众们所接受的，对社会产生广泛与深刻的影响，在音乐文化产业发展的过程中，许多作品要通过作曲家反复的磨合，才能成为经久不衰的巨作，只有艺术中含有美的元素，才能被人们广泛地流传。2.教育功能。音乐的教育功能要通过人们感情思维的训练，情感的熏陶以及对社会的认知来实现，优美的音乐旋律可以陶冶情操，使人们身心愉悦，对聆听者的心理健康有着积极的促进作用，美的音乐可以培养人们的感知、想象力，促进人们的思维能力的发展，开发智力，增强人们对情感的体验，人们生活的环境属于群居性，音乐可以成为人们沟通与交流的有效方式，起到调节人际关系的作用，通过音乐之间的传递，增进人与人之间的情感，对人们的生活起到良好的教育作用。3.信息传递功能。完整的音乐作品中蕴含着作者的内心情感，其中包含着完美的画面与意境。人们通过欣赏优秀的音乐作品，可以提高自身的.审美观。音乐是文化传承的载体，烙印着过去，记载着现在，憧憬着未来。通过音乐的传输，流传着中国历史上下五千年，通过音乐中信息的传递，使人们更加了解我国社会的发展历程，从而更加促进我国音乐文化产业的健康发展。
五、音乐发展中美学内涵的培养策略
丰富的精神内涵可以通过音乐的方式来更好地体现，在体验音乐内涵的过程其实就是对音乐本身进行分析的过程，音乐中的美学可以更进一步地揭示音乐中的内涵，在音乐产业发展中，蕴含着生活的酸甜苦辣场景，通过美学的转变，被人们所接受与喜爱。1.技术与表演相统一。音乐文化产业的发展离不开舞台，在舞台表演中，技术与表演是分不开的，缺乏表演技巧，就会使音乐的呈现缺乏感染力，表演也就丧失了自身的价值，舞台表演技术是突出艺术表现的一种手段，音乐表演与艺术表现力相结合是实现表演价值的重要途径。在表演过程中，表演者首先要理解音乐作品的真正含义，体验到其中的美，把高超的技术与深刻的艺术表现有机地结合起来，才能够引起人们的共鸣，达到启人心智的最终目的。2.时代与历史相统一。音乐作品的历史性是指作品所具有的独特历史风格，时代性是指作品要有新时代的精神，音乐文化产业的发展是历史时代下的产物，表演者要结合时代的特征来演绎作品，要求音乐作品的表演者要从历史的角度去发现全新的因素，注重音乐艺术的个性化发展，把时代精神与当代人的审美观点结合在一起，实现历史与现实的融合，从而达到震撼人心的表演效果，使人们拥有深刻的记忆，真正地发掘音乐中的美，感染到人们的内心深处，激发对音乐文化发展的正确认识，从美学的角度接受音乐的广泛流传。3.真实性与创造性并存。在音乐文化产业发展的过程中，秉承真实性与创造性并存的原则，符合音乐发展的规律，真实性是指音乐表演者要热衷于原创音乐作品，把握住音乐时代的风格，认真分析与研究音乐作品的载体形式，体会到音乐地真正内涵，用审美的心态来欣赏与演绎音乐作品，认真地对待乐谱，通过二度创作把作品升华，从而使人们更好地接受，传承音乐文化精神。结语音乐是人们抒发感情，表达意志的一种艺术形式，是音乐实践主体的意向性活动，通过表演的形式来被人们所接受。通过美学的介入，可以使音乐的表达更加丰富多彩，体验出音乐中的内涵，音乐原作不能称为完整意义上的音乐作品，一部完整的音乐作品要通过音乐表演的手段把符号体系变成实际的音响效果。我国音乐文化产业的发展比较迅速，人们对音乐也比较喜爱，美学对音乐文化产业的发展起到积极促进的作用。音乐美学所涉及的领域非常广泛，关于音乐美学对音乐文化产业的影响还有待于更深一步地研究。
参考文献：
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中国音乐美学思想有着悠久的历史，在长期的封建社会发展历程中，朝代的更替使得音乐美学思想在不同的时期具有其鲜明的时代特征，人文环境尤其是社会文化环境的变化直接影响到音乐美学思想的变化，考证我国音乐美学的几个重要历史阶段不难看出这一点。夏商推崇侈乐、魏晋盛行文人音乐等，都具有深刻的时代特征。明清时期是中国历史发展历程中君主专制空前强化，思想文化政策空前高压的历史时期，是中华文明自秦以来的又一次文化浩劫时代。然而伴随着严厉的文化和政治高压政策，以李贽为杰出代表的早期“启蒙思想”家，发扬嵇康等先代思想家的学术思想，主张音乐应该大胆写情、言情、抒发人的真性情，使音乐发展走“以人为本”的道路。明清时期李贽等人提出的“淡和”审美观以及“主情”思潮成为当时盛行的`音乐美学思想。此时的美学思想除了反应传统的儒家、道家等思想流派的音乐美学思想外，于明清这一启蒙时期体现出了音乐反抗现实，表达人本思想的时代特征，使得中国古代音乐美学思想内涵得到进一步的诞生。
一、李贽的主情音乐思潮
李贽是明朝中期的启蒙思想家，也是中国三大启蒙思想家之一。他和嵇康一样有着坚强的反名教、追求自由的精神，《焚书，读律肤说》一书集中体现了他的音乐美学思想。他的理论以“童心”说为基础，他认为一切美与艺术都必须要“绝假纯真，最初一念之本心”，要具有独创性和个性的彰显。他的美学思想纲领是：“以自然为美”强调内容上不被“天”和“礼”束缚，形式上不被成规制约而能自由发展。提出“发于情性，由乎自然”以反抗儒家思想倡导的“发乎情，止乎礼”的音乐美学思想。李贽还针对“琴者，禁也，所以禁止淫邪，正人心也”。提出“琴者，心也。琴者，吟也，所以吟其心也”的说法，主张把琴由禁欲主义之工具转变为自由抒发性情之手段。他既肯定和继承儒家思想中关于音乐表情特征的思想，反对道家的“无情”和“禁欲”主张，又继承发扬了道家“法天贵真”，“越名教而任自然”的批判精神，反对儒家思想禁锢人性，禁锢音乐的礼制。主张解放音乐个性自由地表情达意，他继承先秦时期业已有之的“音乐可以沟通天人”的说法和音乐可以陶冶人的情感、性格的合理科学的音乐心理思想。同时，李贽也继承儒家“和”的音乐思想，提出“琴贵和”，“育性情”之说。指出琴和关键在于：音意和，指音和，弦指和，并且进一步指出“辩之在指，审之在听”的原则。肯定听觉与心理之间的关系。李贽的音乐美学思想作为古代音乐美学思想的最完美体现，从其主张来说仍然没有跳出我国古代以儒道两家为思想主体的音乐美学思想范畴。但是从其所处的时代来看，他所提出的抒发真性情，形式自由，内容创新的主张，反映了在君主专制强化，资本主义萌芽出现的新的历史条件下，明清音乐美学思想在封建文化总体走向衰落背景下的一次回光返照。
二、徐上瀛的音乐美学思想
徐上瀛是明朝著名琴家，著有著名的琴学专著《溪山琴况》一书。该书中他提出了：“和”“淡”“清”“远”“恬”“古”“静”等共计24况。其中“淡和”为贯穿24况的基本精神准则。因此，要求琴人要做到“雪其躁气，释其竞心”。放弃世俗斗争，追求无情无欲。要求琴乐“黜俗归雅”，反对“去故谋新”“艳而可欲”的世俗之风。在书中作者还提出了用今天话来说颇具有中国特色的音乐演奏思想，根据作者的这一思想，琴乐不是为了娱乐别人而是为了“娱己”，因此，客体之人乐和主体之人达到了高度一致。徐上瀛认为音乐表演者要善于把握音乐的意境和曲韵，只有把音和意有机结合起来表达出弦外之音，才能动人真情促发联想，为此演奏者要具备精湛的手法和良好的心理状态。在表演中要注意自身的入境，达到“神思游于太古”的超然境界。徐上瀛非常重视音乐联系和想象力的特殊作用，他认为要准确表达曲意，严谨的练习是必不可少的第一步，他曾经强调“欲用其意，必先练其音，练其音，而后方能达其意”。在练习时要十分注意把握好技术层面和艺术层面的关系。强调在技术层面要自发、自觉地多加练习以达熟能生巧之程度。在艺术层面，他强调“究心音义，探究心灵琴音的道理，规律”在论及“指”“音”“心”三者关系时，他强调优美琴音的根本在于演奏者内心的清净质朴、纯洁自然。而高超精妙的弹琴指法则是共同演奏者心灵和琴音的中介。指出“欲修妙音者，本在指；欲修指者，本于心潔”的论断，指出了心静对于妙音的重要性。在想象力方面，他非常重视在表演和练习中想象力和合理联想的作用，强调音乐演奏的“会心”和“含蓄”的艺术美。徐上瀛的音乐美学思想，一方继承了“音乐贵和”的儒家传统音乐心理思想，另外一方面，他主张弹琴之人要内心淡薄宁静无语无情，把琴音当作是修身养性的途径。这一思想显然是受到道家传统音乐思想的影响。其音乐美学思想明显兼具儒道两家的音乐美学思想。
作为对音乐审美意识高度升华的音乐美学思想，其在不同时期的发展变化，实际是儒家、道家等传统音乐美学思想在不同历史条件下，各方观念主次位置相互变化的一个往返循环的历史过程。
参考文献：
[1]蔡仲德.中国音乐美学史[M].北京：人民音乐出版社，1995.
[2]夏野.中国古代音乐史简编[M].北京：人民音乐出版社，1983.作者单位：西安文理学院陕西西安
音乐美学论文6
一、电影音乐的审美特征
（一）非独立性
电影音乐的审美特点与通常所说的音乐有着巨大不同，而其非独立性则是使之区别于普通音乐艺术的最显著特征。电影是在空间与时间中同时开展的一种艺术，声音与画面共同构成了电影的听觉体系，而从本质上看，这两者之间又有着根本性的区别，它们分别从属于声音系统与画面系统，其中，声音系统包括人声、音响与音乐这三个元素。在电影艺术的具体表现中，音乐和画面往往联系得非常紧密，很容易使人体会到两者间的特殊关系。更为彻底地说，就是音乐能够唤起观众的内心感情。当然，也存在另外一种观点，即音乐不附属于某种体系，也不是为了表现某种场景或画面，音乐只是音乐而已，是为了展示音乐自身的美。不管是引起广大听众的想象或者联想，还是唤起观众的思想感情，抑或纯粹地展现音乐的美好，单纯的音乐都不会与另外一种艺术体系产生直接的关系。但是，电影音乐所要考虑的东西包括很多方面，例如，影片的画面、人声、基调、音响、节奏以及情绪等。优秀的电影作曲家，必须综合影片的多种因素对音乐进行创作，不能随心所欲地脱离电影作品进行创作。所以，从根本上去看，电影音乐具有明显的非独立性特征，只有将其与画面、人声以及音响等多种元素加以巧妙地融合，才能发挥其真正的功能与作用。
（二）画面性
抛开影片画面去分析电影音乐的审美特征，是没有实际意义的。因为，音乐在电影中的应用是对故事人物的思想情感的一种互动和体现，更是电影整体结构的一个重要组成部分。因此，从某种程度去讲，影片画面的音乐美学价值，正是由电影音乐表现出来的，不仅可以更为彻底地调动观众的情绪，而且能够最大程度地彰显人物的思想、个性与气质等。所以，把电影音乐和电影画面科学结合通常要比普通音乐艺术更富表现力。具体而言，电影音乐的画面性特征主要表现在三个方面：一是音乐与画面的同步进行，促使观众的视觉和听觉相互渗透，加深对影片的审美感受；二是音乐与画面的相互分立，即通过音乐和电影画面的分离形成蒙太奇的画面效果，从而构建独立的审美品格；三是音乐和画面的相互对立，即看似表现内容互不相干的影片内容，最终却实现了共同的效果，给观众一种独特的审美体验。
（三）写意性
节奏是音乐的一个本质特征，在电影音乐中同样也有明显的表现。而节奏又与写意性紧密相连，因此，电影音乐又具有写意性的主要特点，从审美角度去理解，可以将其定为“意境化”的独特表现方式。不同的电影音乐风格，所传达出的影片场景与产生的心理感受是完全不同的。对于一部影片而言，其节奏所体现出的写意性是演绎电影主题的主导元素之一，同时也是强化电影音乐艺术感染力与表现力的关键所在。电影音乐通过节奏与速度的有序变化实现对影片人物的性格、心理、动作的'展示功能，加强观众的欣赏感受，提升电影的整体成效。
二、电影音乐的美学功能
（一）表达功能
声音是音乐表达的核心途径，而声音发出的根本目的则是为了表达含义，因此，电影音乐所体现出的表达功能可以说是其美学的基本功能。电影属于艺术创作类，其创作者主要从各个角度使其对现实社会、日常生活、人物个性、思想情感等进行反映。一部优秀的电影作品通常会有让人难以忘怀的音乐，并且所运用的音乐能够很好地将人物的情感直观化与真实化，更为重要的是通过朦胧的形态拓展了作品与观众的想象空间。翻看诸多经典影视作品，能够发现音乐可以精准地表达故事人物的思想情绪，深化观众的感情体验，帮助观众加深对影片主旨的领会与理解，尤其是能够深入地揭露人物的复杂心理活动。
（二）渲染功能
电影音乐的一个重要美学功能就是营造场景气氛、时代氛围以及民族风格等。电影通过采用具有时代性的音乐，可以渲染出浓厚的时代特征。音乐不仅是改造气氛的需要，更是让人回想起某个特定年代的代表。大家最为熟知的莫过于描写民国时期上海地区的影片，作品中缓缓播放的旧上海流行歌曲，能够立刻让人联想到“上海滩”的形象。电影音乐还能够根据电影的基调或者特殊场景需要，制作相呼应的音乐，从而更好地表现电影情感与主旨，或者是很好地体现民族或者地方性风格，起到渲染气氛与强化表达效果的美学意义。
（三）抒情功能
无论是何种风格与类型的电影作品，都需要对故事中的人或物的动作、思想以及情绪等进行表达，而音乐作为电影抒发故事人物情感的重要元素之一，不但能够通过音乐表达影片的思想与主题，而且可以使得广大观众能够更加清晰地了解与掌握故事内容，领悟影片所要传递的内在含义。例如，在电影《昆虫总动员》中的音乐运用，从某种程度去看，甚至超越了语言的表达，尽管故事中的小动物都没有语言，但通过一系列音乐的配合，却能将其一举一动、所思所想等展现得十分到位，甚至能够让观众真切地体会到每个小动物的内心感受与情绪。还有影片《红高粱》，九儿与日本兵在高粱地同归于尽之后，片尾音乐的响起，不仅将人物内心深处的心酸与伤感展露无遗，还深深地感染了观众，使广大观众潸然泪下。因此，音乐的科学合理应用，不但可以让影片的主旨更加鲜明，更能将故事人物的内心情感抒发得淋漓尽致。
三、总结
有一种比较流行的说法，即听不到的电影音乐才是最优秀的。赫尔曼作为美国著名的影片作曲家就曾说过，音乐的本质是为观众展示出了一种无意识的观点支持，其并非极力透过外在的形式去表现，而观众也不需要直接触摸它，但是其却能发挥出应有的功能和作用。在电影音乐发展日益多元化的今天，不管是原著版的音乐还是翻译过的著作音乐，无论是直观的声源音乐或配乐，其不同之处只不过是类型方面的差别，其实并没有优劣之分。能够科学地与影片中的诸多表现方式相融合，并为电影的整体表现艺术添色增彩，就是优秀的电影音乐，当然也是所有电影音乐制作者的最高标准与追求。
音乐美学论文7
一、中国传统音乐美学与相关学科有何区别
“中国传统音乐关学”和其他相关学科的区别，实际上就是界定“中国传统音乐关学”本身，就是它的特殊性，比如它的性质、它的研究对象、它的研究方法等。但是在这里，我不想按照一般的音乐美学概论或者是其他课首先有的绪论，来正而介绍该学科的性质、对象、方法等问题。我想采用和其他相关学科进行比较的途径，来摸一摸“中国传统音乐关学”是怎样的一门学科 首先，和一般音乐关学相比，它具有什么样的特性?所谓一般音乐关学，就是我们所说的“音乐关学基础”或“音乐关学原理”。与这样的一门学科相比，它具有什么样的区别?很长时间以来，我们常常持有这样的观点，那就是:一般的音乐关学是一个共性的音乐关学，而其他的，比如中国传统音乐关学，是一个特殊性的音乐关学，它们是共性与个胜.普遍性与个别性的关系。
这个关系就意味着一般音乐关学是在抽象的、高层次的层而上进行的，而“中国传统音乐关学”是在一个比较具体化的层而上进行的。我们都知道哲学概念中“共性”与“个性”之间的关系:共性是对个性的抽象，它存在于个性之中，个性中体现着共性。我们往往也以此来解释“一般音乐关学”和“中国传统音乐关学”之间的关系。
这种理解我认为是有问题的，其实在音乐关学界，已经有学者意识到这个问题，指出我们现在所说的“一般音乐关学”实际上只是西方近现代音乐关学，甚至还不包含现代音乐现象的关学，它主要是指17. 18世纪以来由职业作曲家所创作、职业演奏家所演奏、在欧洲发生的一些音乐文化现象的关学。这种音乐关学主要研究他们的创作、演奏、欣赏等等一系列环节的规律或原则，无论是黑格尔，还是汉斯立克，他们研究的对象都是针对这些，在这样的层而上进行理论总结、理论陈述。如果我们再将其下放到欧洲本土，欧洲本土也有其民间音乐，他们实际上连自身的民间音乐也不包含在内。
除非我们能够承认，西方近现代作曲家创作的这样一种共性写作的音乐是一种普遍的音乐，否则我们就没有办法承认，研究它的这样一种音乐关学是一种普遍的音乐关学。实际上，西方近现代共性写作的音乐，也是一种特定的`文化现象，在欧洲文化整体当中，它只是其中的一个部分，或一个层而，在欧洲文化当中，各个地方的民间文化仍然多样存在。我一直持有这样的观点:地球上所有的音乐都是民族音乐，都是特定文化的音乐，而不是哪一个是普遍性的音乐，哪一个是特殊性的音乐。
那么，和“一般音乐关学”相比较，“中国传统音乐关学”也是这样，是研究中国传统音乐现象、形态、活动本身的一种关学理论，从地位和性质上来说，与研究其他音乐现象应该是等价的，它们在同一个平而上，不存在哪一个具有普遍性，哪一个具有特殊性。这两者之间不是共性与个性的关系，而是个性与个性的关系，是两种不同地域音乐之间的关系，两种不同地域、文化的音乐关学理论之间的关系。认清这一点，我认为有些问题就自然会清楚了，有些现象也好解释了。为什么我们总是感觉用西方的音乐关学理论来解释中国的民间音乐、文人音乐是非常吃力的?原因就是我们在用另外一把锁的钥匙来开这一把锁，结果当然打不开。所以，与“一般音乐关学”相比，这两者应该是个性与个性之间的关系，而并不是个性与共性之间的关系，不是说“一般的音乐关学”是普遍、抽象的理论，而“中国传统音乐关学”只是它的一个具体化。具体化是个性和共性的关系，要遵循共性的一切原则和规范，但是个性和个性的关系却可以完全风马牛不相及的，各自遵循自己的游戏规则，两种游戏规则在各自的界而中都有效，但是互相之间一置换就都变得无效了。
二、中国传统音乐美学作为美学其方法论有何特点
方法论在20世纪越来越受到重视，在某种意义上说，方法论几乎就是一切。从某种意义上说，现在许多哲学都是方法论，现象学是一种方法论，解释学是一种方法论，或者说是以方法论的形式呈现出来，所以方法论在20世纪确实得到了前所未有的提高。在方法论上我们发现，近现代有一个有趣的现象，关学，如果再扩大一些，哲学，乃至人文科学，自17世纪工业革命，自然科学取得决定性胜利以后，自然科学对人文科学形成了强大的攻势。人文科学受自然科学的影响主要体现在方法论上，一切都要向实证方法靠拢，以追求知识的客观性、普遍性和绝对性。相比之下，人文科学从古希腊开始，就很难做到客观性、普遍性和绝对性，每一个哲学家都提出一种体系和理论。
这是什么原因?开始时人们也不在意，17. 18世纪以前的哲学家对此并不以为然在他们看来，我对世界就是这样一种看法、一种理解、一个构架，我就是用这样一种模式来解释世界，如此而已。结果是各讲各的，可以互相批评，但谁也说服不了谁。但是，随着近代自然科学取得突飞猛进的发展以后，便对原来的观念造成了强大的冲击。
因为自然科学提出一个定义、定理之后，是非常客观的，而且带有普遍性效用。在这个方而，人文科学显得相形见细，甚至有点自惭形秽。于是，在19世纪末和20世纪前期，它们也开始了对自身的反省，努力寻找人文科学通向客观性、普遍性和绝对性的道路，使自己也能够和自然科学一样。但有趣的是，好像是上帝和我们开了个玩笑，本来是追求客观性，但是却发现并且走向了主体性，认识到这个世界本身就离不开主体的参与;本来是追求普遍性和绝对性，结果却发现并且走向了特殊性和相对性.
三、结语
所以，我们如果要想让中国音乐得到很好的发展，就不能不对传统音乐关学研究有一个大的突破，否则，它就可能成为一个瓶颈，其他方而可能都发展得很好，就是在这个地方卡住了，使得整体难以得到大的发展。管理学中有一个“木桶理论”，只有组成桶的木板都一样高，这个桶才能装满水，只要有一块板矮了，水就会从它那里流出来，桶里的水也就永远装不满。就我们现在的音乐文化来说，传统音乐关学就是那块短了的木板。便是希望学术界的同行能够多关注一点“中国传统音乐关学”，并有更多的人加入建设者的行列，能够使这块板慢慢地延伸上去，使中国音乐这个“桶”能够装满水。
音乐美学论文8
一、电影音乐的配合原则
音乐在诠释情感方面有着天然的优势，或舒缓或充满激情的音乐响起，总会让人产生情感的带入。电影音乐因其题材的特殊性，往往要与电影画面相结合，才能发挥其作用。只有在全片结束后，电影音乐才会作为一个独立的整体，在播放字幕的阶段以完整的形式呈现。因此，如何与画面相配合，就成了电影音乐工作者的重要课题。
大体上来说，音乐与画面的配合可分为两种方式，即：相辅相成和相反相成。首先，电影音乐常常与画面同步，构成两者天衣无缝的配合，从而使观众在试听上形成美的享受。
如影片《为奴十二年》中，黑人音乐作为黑人文化的重要组成部分，常常会出现在影片中。当埃德温艾普斯种植园中的老黑奴埃布拉姆在摘棉花时倒下后，所罗门和其他两个黑奴将老人家安葬。埃布拉姆是其他黑奴口中的叔叔，他非常照顾那些黑奴小孩儿，如今他们都已成年，成为种植园中的主力。此时画面变化为特写镜头，一个老年黑人妇女的硕大脸庞占据了几乎整个画面，在没有任何背景音乐的情况下，她开始了歌唱，而她歌唱的形式正是黑人的灵歌。她边唱边拍手打着节拍，当她唱到“roll，Jordan，roll”时，其他黑人开始跟着合唱。围绕在老妇人周围的黑人，每个都在拍手，并且摇头晃脑地跟着唱，只有所罗门紧闭着嘴唇。画面中所罗门面容悲戚，但他还是没有开口，而背景中则是其他黑人的合唱。在这哀伤的氛围中，所罗门的情绪无处发泄，他终于跟唱了起来。起初他只是微微张开嘴唱，渐渐地，他高声合唱，而此时音乐中的男声部也加入了所罗门的音色。随着所罗门声音的`渐强，他的头也开始随着节奏摆动起来，直至那歌声滑向遥远的天空。
此外，电影音乐还可以从反面对画面形成衬托，从而形成音画相反相成的配合方式。此种情况下，音乐所提供的情绪与画面刚好相反。在音乐画面的强烈反差下，观众体验到带有矛盾冲突的情绪氛围，从矛盾中对剧情的理解更加深入，如《辛德勒的名单》。
二、电影配乐接受美学的立体化
电影配乐带给观众的审美享受往往不是单一的和同一层面上的，而是立体的和丰富的。不但存在着视觉审美、情感抒发，以及精神体悟等多层次的体验，不同的配乐形式，也能够带给读者不同的审美感受。这些审美感受也并非单独产生作用的，而体现为一种综合的审美效应。
一方面，就主题音乐来说，它带给观众的审美体验是立体性的，是超越了“纯音乐”的审美体验的。如《加勒比海盗》中，汉斯季默的配乐给人留下了深刻的印象。尤其是影片的主题音乐，每次都在主角出场或是影片高潮到来时恰当地响起，有力地烘托了影片的氛围。纵观《加勒比海盗》系列影片，杰克船长无疑是其中铁打的主角，也是对观众产生深深吸引力的核心要素。因此，杰克的出场一定要辅以主题音乐，这样才有男一号的范儿。在《黑珍珠号的诅咒》中，杰克在桅杆上的第一次亮相，就伴随着主题音乐。只不过，这段音乐被精心地改编了，可以说是主题音乐的变奏版，其中加入了一些充满谐趣的滑音，并加入了码头上搬运工人的嘈杂声，以及绵羊的咩咩声，使杰克的出场音乐充满了欢乐。此后，凡是电影中出现浩大的场面，如壮观的海战等场景，主题音乐必定会适时响起。宏大的交响乐与壮观的场景搭配得天衣无缝，使观众沉浸在充满美感的视听享受中。
另一方面，除了主题音乐外，场景音乐也是电影音乐的重要组成部分。场景音乐的作用不仅能够提供叙事背景、烘托场景氛围，也对影片的主题具有揭示性作用。黑格尔在《美学》中曾反复强调“灵魂中一切深浅程度的欢乐、喜悦、谐趣、轻浮、任性和兴高采烈；一切深浅程度不同的焦躁、烦恼、忧愁、哀伤、痛苦和怅惘等，乃至敬畏、崇拜和爱之类情趣都属于音乐所表现的特殊领域”。
如《驯龙高手》中，场景音乐的表现就极其出色。不仅有力地烘托出场景氛围，也极大地调动了观众的审美激情。当希卡普用鳗鱼吓退能喷出毒雾的丑陋双头龙时，他的小把戏使所有小伙伴目瞪口呆。此时，希卡普潇洒地挥挥手，说自己还有事要做，就闪人了。在众人惊愕的目光中，背景中的鼓声响起。这激动人心的前奏，带给观众欢快的情感氛围。继而弦乐不断上升，使快乐的情绪进一步蔓延开来。希卡普带着他做好的鞍子追着夜煞，而夜煞则开玩笑似的在前边跑。终于将鞍子固定好后，希卡普驾驭者夜煞开始了飞翔。随着希卡普一次次的失败和一次次的尝试，音乐中充满了谐趣的调调。而希卡普也在此期间，发现了众多龙特有的弱点。他就利用这些弱点来对付训练场中的龙，弄得小伙伴都崇拜不已。当希卡普终于实验成功，他和夜煞一起翱翔天际，美妙的天际之境就在希卡普的身边。但夜煞冲得太高，导致希卡普从其背上松脱，好不容易希卡普重新回到了龙背，此时面对的是十分紧急的场面。嶙峋的怪石群峰突起，希卡普也丢掉了他的驾驭指南，凭借感觉来操控夜煞的尾部，不断躲过惊现的场景，人与龙在这一刻融为一体，交响乐在此处也达到了高潮。
三、结语
综上所述，接受美学认为，观众是作品的积极解读者和审美再创造者。电影作为一种大众艺术形式，格外强调观众的接受美学。电影音乐能够丰富和拓展影片的审美空间。在电影配乐上，能够满足和超越观众审美期待，是提升一部影片审美价值的关键。
音乐美学论文9
摘要：由于我国在音乐领域的不断发展和越发深入的研究, 这使得我国在音乐艺术领域获得得了重大成果, 所以, 人们在加强对音乐美学的研究的同时, 也愈发重视音乐的表演艺术, 这就表明了音乐美学和表演艺术之间有着密不可分的联系, 只有合二为一, 才能有效推进我国音乐艺术领域的发展, 为音乐发展灌注新鲜血液。本文针对现代音乐美学对音乐表演艺术的启发进行研究, 希望可以提高我国现有的音乐发展水平。
关键词：音乐美学; 现代音乐; 美学研究; 音乐表演艺术; 启示;
跟随着人民精神层次的提升, 社会文明也飞速发展, 这为现代音乐艺术的发展提供了良好的背景, 而音乐表演艺术是音乐表演方面一个比较重要的分析, 它不单单是将表现进行复述的过程, 而是要不停地创新和加工, 使得音乐作品能够焕然一新, 能够更好的展现其生命力, 从而使观众耳目一新, 挖掘出一些以前没有表现出来的东西。现代音乐美学的研究强度越来越强, 研究层次也越来越深奥, 这都给音乐表演艺术捎带了不少的启发, 所以将现代音乐美学和音乐表演艺术相互融合, 这样才能够更好促进现代音乐的发展, 为长远的未来铺路[1]。
一音乐美学的概念和研究的必要性
美学起源于古希腊, 在那时候, 美学还被称之为感觉学, 大意是透过感觉来认识事物, 这个词语在创造之初跟音乐并没有关联, 是与感官有着密切的联系, 例如我们经常说的触觉、味觉等, 美学的另一个概念是艺术哲学, 这也是现下国内外通用的概念解释, 美学的对象是填充人们的感性认知, 包含在感性认知领域。音乐演奏所牵涉到的大部分是演奏者本身的审美理念和思想构造对音乐美学的理解等, 而音乐美学是囊括了许多学科的内容, 比如审美学、心理学、感觉学等, 所以音乐表演的实质是音乐美学里重要的内容, 现代音乐美学研究认为和平庸的音乐人和业余爱好者相比, 音乐演奏人员对音乐的内涵理解更加深刻, 也更加重视音乐演奏中隐藏着的音乐美学的内容[2]。
二现代音乐美学与音乐表演两者之间的联系
人尽皆知, 音乐本身就有很强的实践性, 而且它和艺术是不可分割的, 所以, 不论是哪种出色的音乐作品, 其自身的艺术气息都需要交由表演者来传递给音乐爱好者。音乐表演者演奏对应的音乐作品时不仅需要运用到各种乐器, 还要将自身情感融入音乐表演中, 只有如此才能准确有效的表现出音乐作品本身带有的艺术性, 填充音乐作品的内在。音乐演奏实际上是连接着音乐鉴赏和音乐作曲两方面, 起着桥梁作用, 所以现代音乐美学着重关注这一块, 随着对音乐美学钻研的越发深入, 针对音乐演奏人员的专业素养要求也变得越来越严格, 所以, 演奏者要完全理解音乐作品中所隐藏着的内涵和深层次的涵义, 这样才能完整展现出作品本身的'艺术性和艺术渲染力, 给鉴赏家留下深刻的印象。音乐表演是现代音乐美学中一个较为重要的构成成分, 所以, 一定要遵循美学规律, 遵照作品自身的差异来体现作品包含的思想情感。
三现代音乐美学研究对音乐表演艺术的启发
(一) 可以正确看待音乐表演
从现代美学来看, 音乐作品的构成因素有两种, 一是音乐作品的作曲者关于音乐作品的理解, 通俗理解为作曲者在创造音乐时的意向性行动, 它存在于作曲者的脑海之中, 即使没有客观对应物, 但实实在在的成为音乐作品的一大创作构成因素, 如果缺少这一重要因素, 音乐作品也不能成功;另外一种便是在音乐作品中作曲家记录构思的乐谱。在我们追寻音乐的进程中, 作曲者将他们在脑海内显现的灵感用乐谱的形式记录下来, 并提供给音乐演奏者演奏使用, 倘若没有实在的乐谱, 除了创作者本身, 没有人能够感受理解音乐作品的原作和里面的内涵。创作者在完成一个曲目的创作后, 其实就已经呈现了一部完整的音乐作品, 它存在的真正形式不是通过人的意志来传递的, 而是经过不同的演奏者和音乐家对原作本身进行不断的改编、演奏来填充不同人对同一首音乐作品的理解。然而, 作为真实存在的本体, 音乐原作本身是不会也不能被改变的, 这也是对音乐的一种理解, 没有人能够改写真实存在的历史。从音乐讲解者本身来看, 演奏人员和表演人员需要完全充分理解并能够很好地诠释出音乐本身所包含的内在美学, 而且, 从自己的角度来理解阐述音乐的内涵是很有必要的, 这是从事音乐最基础的要求。音乐表演人员和音乐家在理解音乐内涵时, 还需要把握创作者的思想要素和创作背景、创作契机等, 从中理解音乐, 以便完美的阐释出音乐作品的内涵。如今, 现代音乐方面强化了针对音乐美学的钻研, 所以如何在研究过程中正确看待音乐表演, 是现阶段必须要重视以及要解决的问题。单单从美学的角度来看, 音乐保有一定的意向性, 一定要通过长时间的研究才能在原有的音乐形式上进行创新, 丰富音乐的内涵, 而音乐本体指的是相对应的音乐演奏者, 长时间的意向性活动, 所以只有时间才能让音乐本身的意义和内涵得到慢慢补充和完善。按照现代美学角度分析可以得出, 音乐表演不单单表现出音乐作品所囊括的历史意义, 还要抒发其深层次的现代意义, 所以现代美学研究在不同的方面促进了音乐作品水平的提高。首要的, 正确看待音乐表演艺术的现实地位和本身所起到的作用, 让它不仅在艺术上有所表现, 还应该在原本的内涵上提高音乐本身的创造性和内涵。然后, 在针对音乐作品的演奏时期, 要使用现代化的审美观念来评判音乐作品, 让音乐作品自身有一定的时代意义[3]。
(二) 正确理解音乐的原作
现代美学的研究过程中清楚说明, 在准备音乐表演艺术以前一定要对音乐原作有一个全面正确的认识和理解。一般状态下, 遵照美学理论对音乐作品进行划分, 可以分成两大部分, 一个部分为作曲者的意向性活动, 另一部分是作者的创作过程。在作曲者创作好相对应的乐谱后, 音乐作品被实体化, 同时不会因为外界演奏者的意愿而变化, 这就需要表演人员有一定的理解能力, 能够完全理解并展示出音乐作品中想要表达出的情感和内容, 并将作品中包涵的历史意义完整的展现出来。比如, 西方文艺复兴时期的音乐作品不仅展现出来那个年代特有的历史风貌, 还透过演奏乐器和场景搭建来诠释音乐内涵。但是现阶段国内的音乐实际情况不容乐观, 对历史意义过度解读, 仅仅表现音乐作品的表层意义, 作品过于形式化, 但站在历史的高度来看, 却是一些佳作。所以在音乐的演奏过程中, 一定要从历史发展的角度来阐述作品的实际意义。
(三) 能够提高音乐表演艺术本身的创造力
如今的美学研究, 就是针对音乐作品本身所包括的意向性进行深层次的分析, 这就要求在音乐作品的表演过程时, 通过意向性活动来展示作品的涵义, 并完整的还原出作品中所蕴含的历史意义, 尽量演奏者对作品实际的历史背景和思路构造进行阐释。但是, 这种情形下并不能完整的分析到现在审美的精髓和内涵, 这给音乐作品的分析带来了不小的难度。所以, 在实际演奏过程中, 演奏者要有较高的艺术素质和强大的艺术理论支撑, 将作品和历史意义融合起来, 挖掘出作品中包含的时代意义, 真正体现出音乐作品本身的意义, 从而体现其良好的创造性。
(四) 现代音乐美学研究可以推进音乐表演艺术的发展
首先, 音乐美学的研究过程包括了许多内容, 例如审美学、哲学和感知学等。所以它的研究水平在一定程度上限制了演奏者的表演水平, 而音乐表演艺术作为美学中的一个分流, 通过研究后不难得出结论, 音乐表演艺术中也包括了许多内容, 不但考验了演奏者的各方面的综合素质, 还对演奏者本身的审美理念、情感掌控和理解能力等方面有严格的要求。并且值得注意的是, 音乐表演是需要理论结合实际的, 只有充分理解了现代美学, 才能有效提高自身审美水平和演奏能力。再者, 音乐美学是每个演奏者所必须要求学习并掌握的东西, 所以美学学习的成果也决定了音乐作品的效果和质量, 并且这也关乎到其未来在音乐领域的发展。要想成为一个专业的音乐家, 就一定要对音乐美学进行充分的钻研, 让它在你体会一部音乐作品的内涵时做出帮助, 提高演奏效果。而且有目的、有意识的引导演奏者将自身特色和优点融入作品的演奏过程中, 实现对音乐作品的全新的演示和新的创新和突破, 使自己成为一流的音乐人才[4]。
四结语
总体来看, 现代美学研究可以大幅度推进我国音乐表演艺术的发展, 充分探索出音乐作品中的内涵并创新丰富其内涵, 所以, 这就要求我们对美学研究和表演艺术两者之间有一个正确的认识, 来促进演奏者在演奏过程中完美的阐释作品中蕴含的审美理念和时代意义, 进一步深入分析研究作品的创作背景和契机, 这也有助于音乐表演艺术水平的提高, 更好的促使音乐领域整体水平的提升。
参考文献
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音乐美学论文10
在音乐实践中，钢琴演奏不但是一个非常重要的环节，还作为美的艺术而宣扬美学的思想。从音乐美学这个角度出发，钢琴演奏作为一种十分重要的方式对音乐作品中美的品质进行表达。钢琴演奏的过程也是基于作品本身的二次创作过程，钢琴演奏者应该在每次表演过程中对音乐作品进行二次创造，从而将钢琴演奏艺术美学创新性地演绎出来。音乐美学的应用，有利于演奏者和听众对音乐作品本身的美学特点以及艺术品质进行更好的理解。在钢琴演奏的过程中，会体现出丰富多彩的音乐美学思想，传达给听众以听觉上的美感。钢琴演奏对音乐作品的二次创作，能够将艺术家的思想和音乐作品有机地结合起来，并通过演奏者的个性风格表现出来，让听众心情愉悦，以情感人。本文运用美学的思想，指出音乐美学对钢琴演奏的指导作用，并对如何加强美学知识的运用进行探讨。
一、音乐美学在钢琴演奏中的应用
（一）有利于协调钢琴演奏的创造性和忠实性的统一
通过二次创作，钢琴演奏给音乐作品赋予了新的艺术价值和艺术生命，从根本上说，钢琴演奏应该同时具有创造性和忠实性。因此，钢琴艺术家在进行艺术创作和表演的时候，既要根据音乐作曲家原有的创作精神将其整个音乐作品进行完整的再现，也需要通过钢琴艺术家自身对音乐的认识和感知，对音乐作品进行创造性的再现，这就需要表演者能够正确地把握对音乐作品忠实性和创造性的协调统一。钢琴演奏的忠实性主要体现在钢琴演奏要忠实于原谱，艺术思想也要忠实于原谱。钢琴演奏的创造性则是指钢琴家在二次创作的过程中，通过自身对作品的体验和认识，将自己的一些情感加入到原先的音乐作品当中，赋予音乐作品新的生命。这种创造既要忠于原谱，但又将新的音乐艺术个性充分体现出来。钢琴音乐作品一般都会在一定的历史条件、民族文化或者社会背景下才能诞生，它的原创作者所处的生活环境和现在不一样，使得作曲家原创与第二次创作之间存在一定的差异性，也就使得钢琴演奏具有一定的创造性。在钢琴家对音乐作品进行二度创作时，一定会使作品体现出其主观推论思维。因此，该钢琴家在演奏的过程中，就会无法避免地将自己的情感以及审美意识，甚至审美趣味都掺入到音乐演奏中。但是，每位钢琴家都有一个音乐追求，就是希望在钢琴演奏的过程中，将自己的艺术创造个性充分展现出来。同时，这也意味着钢琴家的演奏艺术逐渐走向成熟。这就表明钢琴家已经深入地认识了音乐作品，也说明了演奏者对音乐作品有了独到见解。这种富有个性的艺术表演并不是对原创的背离，而是对原创的一种深入和升华。钢琴演奏不能与忠实性相脱离，也不可以没有创造性，钢琴演奏理应是由忠实性原则和创造性原则相结合而形成的。如果在钢琴家进行二度创作时，其基础是忠实性原则，那么钢琴家进行二度创作的升华就是创造性原则。音乐美学原则的应用可以极大地提高钢琴演奏的创造性和忠实性的统一与协调。
（二）历史性和时代性相统一
在钢琴演奏过程中，将历史性和时代性统一起来，也是音乐美学的一种应用。实现历史性和时代性相统一，即为音乐作品特定的历史风格和钢琴演奏者所处时代精神相统一。在一定的历史条件下，音乐作品一旦被创作出来，就一定会将当时创作者所处历史时代的音乐风格保留下来。一个真正的钢琴演奏者应该站在历史的角度去将音乐作品的风格把握好，而且还应该努力将该音乐作品的风格真实而完美地还原，向观众展示。演奏者应该尽自己最大的可能，结合自己的生活时代特征，赋予音乐作品新的时代含义，将自己化身为音乐作品的再创造者，与之同命运、共呼吸。这样就可以将音乐作品真实地还原，又能对音乐作品进行再造，使之具有明确的社会意义。如果钢琴演奏者并没有关注音乐作品产生的历史年代，也没有对其特定的历史风格给予足够的重视，就不能将该音乐作品的真实内容体现出来，也不能够将音乐作品与时代特征结合起来。因此，钢琴演奏者必须对音乐作品进行历史背景的相关分析，将音乐作品的来龙去脉都理清，从而能够将音乐作品的历史风格进一步还原。但是钢琴演奏具有一定的复杂性，哪怕是对历史作品进行演奏，钢琴演奏者也无法与自己所处时代完全脱离。因此，钢琴演奏者会不自觉地将自己的演奏与时代特征相联系，给音乐作品加上时代的影子，用当代的眼光去审视历史，必然需要音乐美学的知识来帮助演奏者审视作品的历史风格与时代精神之间存在的联系。
在钢琴演奏过程中，人们对其历史性和时代性的结合所持的观点不一样。有的人认为，在钢琴演奏中，其风格的纯正性以及历史性更加重要。但是有的人却认为应该强调演奏风格的独创性与现代性。而在音乐表演中，按照其美学原则与理想，应该坚持钢琴演奏历史性和时代性相统一。如果钢琴演奏者对音乐作品历史风格并不重视，只是片面地强调时代精神，或者是拘泥于作品的历史风格，终不能体现出音乐作品的真实价值。我们应该将钢琴演奏与音乐美学原则相结合，为历史性和时代性寻找一个平衡点，从而使得历史性与时代性之间统一和协调。
（三）艺术性与技术性相统一
钢琴家要能够被广大听众所接受，就应该拥有比较高超的钢琴演奏技巧。一个钢琴家不可能在钢琴演奏技术并不高超的情况下还能将高水平的`音乐作品演奏出来。只是演奏技巧并不是高水平音乐作品的唯一条件。任何一个钢琴家想要得到观众的喜爱，就必须将钢琴演奏技术跟完美的艺术表现相结合。钢琴演奏的技术性是指钢琴家将乐谱符号与现实音响之间进行转化的中间环节，也是钢琴家进行音乐作品的演奏不能缺少的技巧。因为钢琴具有比较特殊的构造，其钢琴演奏艺术都是经过大脑认知系统中的心理操作能力与手指运动系统的生理操作能力一起作用来完成的，这两者可以实现音乐符号与音乐表达之间的物化过程。而钢琴演奏的艺术性即为一个钢琴演奏者在完成技术的过程中表现出来的一种音乐表现力，一般都会体现在对音乐作品的旋律和节奏、和声与踏板等等因素的控制方面。其中，音乐的旋律是对音乐美的塑造的关键，而和声则是对音乐美的色彩的一种塑造，节奏和踏板分别可以塑造音乐美的形式、音乐美的灵魂。钢琴家只有将上述因素完全掌握，才能正确掌握音乐作品的内涵，呈现出多层次、多色彩以及多力度的音乐效果，从而将钢琴家对所演奏的音乐作品中的艺术内涵完美诠释出来。实现艺术性和技术性的协调与统一是音乐美学在钢琴演奏中的体现，艺术性和技术性之间的完美结合可以赋予钢琴演奏一种完美的体验，从而使得钢琴演奏达到一种尽善尽美的音乐艺术境界。优秀的钢琴演奏者，在拥有高超演奏技术的同时，还应该理解与体验音乐作品中的艺术性，将艺术性和技术性有机结合，演奏出动听的音乐作品。艺术性和技术性统一可以为忠实性和创作性、历史性和时代性相结合而进行钢琴演奏提供条件。所以，钢琴演奏的终极目标就是要追求音乐美的艺术，而音乐美的技术则可以在钢琴演奏的过程中体现出来。
（四）感性与理性的统一
在钢琴演奏中，往往会具有作者的感性因素，听者可以从音乐作者的情感反映以及审美意境中将音乐作品的内涵感受出来。而对于钢琴演奏者自己来说，在演奏时也有自己的情感因素，这种感性能动性对钢琴演奏者的创造性发挥着十分重要的作用。而不同的钢琴演奏者对音乐作品有着不一样的感性反映，有他们各自的审美观。在一些钢琴音乐作品中，还会有理性因素。而理性因素一般都会由钢琴演奏者的演奏基本功和表演技巧所体现出来，且理性因素对演奏效果会产生直接影响。因此，钢琴演奏者必须对其进行理性到位的把握。这一点是由钢琴本身的特殊构造来决定的。每一个钢琴演奏者都会在即将演奏时，在内心中听到那些音符，这有利于他们对自己的演奏动作进行调整。
二、演奏者提升美学素养的途径
（一）扎实的音乐理论知识有利于钢琴演奏者对音乐作品进行深层次研究
对于优秀的钢琴演奏者来说，能够对音乐作品进行深层的理解是最重要的。因此，钢琴家要提升音乐作品的演奏水平，首先应该深入学习相关理论知识，加深音乐美学素养，使得自己能正确地理解与分析音乐作品。对钢琴作品进行分析，主要内容就是把握钢琴乐曲中的节奏、节拍、力度、织体与和声等。而在这些音乐作品要素中，最重要的就是对曲式结构进行掌握。因此，我们必须掌握曲式学还有声学这两门基础学科，有利于钢琴演奏者理清音乐作品的结构。而对音乐理论知识的加强有利于钢琴演奏者对音乐作品进行更好的理解，也有利于我们更进一步熟悉乐谱。
（二）丰富审美经验，提升感性认识
审美经验是一名钢琴演奏者理性认识的来源，一名优秀的钢琴演奏者，要时刻注意音乐形象的建立。如果钢琴演奏者的脑海中没有鲜活的音乐形象，在演奏技法和塑造音乐形象方面就缺乏指导。因此，一个钢琴演奏者必须从内心对音乐作品有一定的认知，进而将这种认知转化为音乐演奏形式。
（三）加强演奏者的文化艺术修养，提高音乐鉴赏能力
音乐是一种感性的表达，其中蕴含着丰厚的文化和艺术内涵。自从钢琴被发明以来，距今已有 300 年的历史，钢琴演奏艺术吸收了各个国家的艺术风格，形成了内涵丰富的世界钢琴文化。因此，钢琴演奏者要加强自身文化修养，熟悉钢琴作品的历史背景以及发展过程，才能全面诠释音乐作品的真正内涵。对于钢琴演奏这种音乐表达方式，要求演奏者必须具备很好的音乐感受能力。每一个钢琴家都是从很小就开始练习钢琴演奏，不仅学习钢琴技巧，也要理解钢琴文化。
三、结语
作为音乐实践的一个重要环节，钢琴演奏是一种美的艺术，在钢琴演奏中往往包含着美学的思想。从音乐美学的角度上来看，钢琴演奏是表达音乐作品中美的品质的一个重要的方式。音乐美学促进了钢琴演奏中创造性与忠实性的统一、历史性和时代性的统一、感性与理性的统一以及个性与共性的统一。钢琴演奏者必须加强自身文化修养和理论知识学习，增加审美经验，才能更好地将美学思想应用到钢琴演奏当中，促进钢琴演奏美感的提升。
音乐美学论文11
【关键词】音乐美学；音乐教育；应用
当前伴随着国家提出素质教育的背景下，各个学校开始注重学生综合能力培养，尤其音乐教育作为当前教育领域的重要组成部分，声乐美学对于艺术学的发展起到了一定的推动作用，因此在实际的音乐教育发展过程中，要给予音乐美学以高度的重视，从而加强音乐美学在音乐教育中的积极促进作用，在一定程度上促进音乐教育的更好、更快发展。
一、音乐美学在音乐教育中的具体应用分析
（一）表现出情感美的应用
众所周知，音乐对于培养人们情感体验，以及高尚的情感道德品质具有重要作用。例如当奥运会上每次当奏响其国家的国歌时，此时在座每一位都会发自内心的感到震撼，其优美的旋律在人们耳边回荡，在一定程度上激奋着人们每一名中国人的心。美妙的乐章在人们耳边回荡，让我们感到回味无穷。但是在实际的音乐教学当中，教师不会只注重学生在创作歌曲中的技巧、方法等，很大程度上会教学生如何把握音乐中美的旋律，如何在歌曲中有效的表达美的情感价值表现。此外教师还会激发学生的情感变化，从而产生学生心灵上的震撼。因此在实际的音乐教学中，教师在知识的讲解过程中，不要单纯地只注重理论性上的知识，要不断地创设更多的教学情境，从而加强学生情感方面的体验，从而将情感美有效地融入到音乐教育教学当中。
（二）音乐音色美的应用体现
在音乐教学中，追求音色美是每个音乐教育者的理想目标。因为音色的美感能够让人直接感受到。由于音色元素的存在，可以让人们清晰辨别出什么是手风琴，什么是钢琴等。在实际的音乐教学过程中，音色在音乐的表现方面具有中至关重要的作用。以婚礼进行曲为主要事例进行分析，当婚礼上奏响起婚礼进行曲时，大家都知道是门德尔松钢琴版的《仲夏夜之梦》，再例如当人们听到轻音乐《初雪》这首曲子的时候，大家会马上意识到这是班得瑞乐团的作品，是钢琴版的初雪。这就是音色所具有的的特征，能够通过一首曲子进行有效的`辨别。同样还是以《仲夏夜之梦》这首婚礼进行曲为例，当婚礼上用口琴或者用二胡等音乐器材演奏时，大家会想象到一个什么样的画面。因此其优美的曲子离不开音色的作用，音色在一定程度上又给人一种达到美的极点。因此音乐教师要充分的认识到音色的在音乐教育中的应用，并且不断培养学生对于音色的鉴赏力、创造力以及丰富的想象力。
（三）音乐教学中节奏美的应用体现
众所周知，音乐是一门时间性以及动态性相对较强的艺术。并且音乐的时间性以及动态性是通过节奏而表现出来的[1]。然而节奏是音乐的骨架，是音乐的灵魂，是音乐赖以生存的动力，节奏美是音乐中不容忽视的美感，因此节奏在当前的音乐教学中占据至关重要的位置。然而不同节奏在一定程度上会产生不同的艺术效果。例如将婚礼进行曲的节奏进行改编，将其改变成快一个八拍，其快速的节奏给人们带来另类的感受，从而失去了其应有的美感，完全体现不出来婚礼那种神圣的场面。尽管在节奏上有快慢之分，但是给人带来的美感享受效果确是天壤之别。因此优秀的音乐教育者在实际的教学中需要高度重视，从一点一滴抓起，追求音乐上的美感。因此教师在实际的音乐教学中，要充分把握好节奏的练习，从而不断的加深学生对于节奏美的培养，进而有效提升学生在节奏方面的整体把握。
二、结语
总而言之，无论音乐教育今后趋于何种发展趋势，音乐的美学教育始终贯穿于整个音乐的教育教学当中，并且对其音乐教育的发展具有至关的作用。因此在实际的音乐教学中，教师要正确的把握好音乐美学在音乐教育中的重要性。并且要积极开设相关的美学教育教学活动，不断培养学生对于音乐教育中的情感美、音色美、节奏美的意识，不断强化学生在以上三方面的练习，从而全面提高学生对于情感美、音色美、节奏美的运用能力。进而在一定程度上提升音乐教学的整体效率。
音乐美学论文12
1976年演出的《沙滩上的爱因斯坦》使得他的创作者罗伯特·威尔森(Robert Wilson)和菲利普·格拉斯(PhilipGlass)一鸣惊人，得到了蜚声国际的美誉。称其为“二十世纪表演史上的里程碑”、“二十世纪最重要的舞台作品之一”。他几乎颠覆了传统戏剧和现代大多数戏剧的叙事和表现原则，采用极简主义的表现形式，将舞台的对话、动作以及戏剧冲突减少到最小。
1 简述歌剧《沙滩上的爱因斯坦》
《沙滩上的爱因斯坦》选择了20世纪最重要的人物爱因斯坦作为他的主题，但是在《沙滩上的爱因斯坦》中，全剧分为四幕和五段起着连接作用的歌唱和舞蹈表演。整幕剧下来我们可以看到三个主要的场景：一台蒸汽火车，表现着爱因斯坦诞生于蒸汽时代;一个法庭和一座出监狱;一艘太空船，表明爱因斯坦的发现对人类进入太空时代的推进作用。从中我们可以体会到人类企图征服自然的鲁莽行为，也可看出人类从自然向太空迈进的旅程。整幕剧没有故事情节，没有一个很个性鲜明的人物形象，所谓的爱因斯坦，只是在舞台升高的部分坐着一位穿着吊带裤、化妆成爱因斯坦的小提琴手。更是没有戏剧所必须具备的戏剧冲突。在观看的过程中我们只能看到或者听到没有任何意义的台词，歌曲也是在简单机械地重复数字或者音符。舞台的布置也是极简的，表现沙滩的知识一枚小小的贝壳。这也造成了对这部剧两种截然不同的反映，喜欢的人称其为“神话”，不喜欢的人认为这就像皇帝的那件新装，毫无意义。
对于《沙滩上的爱因斯坦》，我们不能用传统去感受它，需要转换另一种思维方式和习惯。在观看过程中，认为只是典型的重复不是很确切的，出去四幕的变换，即使是幕与幕之间的衔接的舞蹈和音乐虽有着大量的重复的舞步和不同歌唱家组成的歌队演唱的数字或者音符，但不只是简单乐句，实际上有着反复的变化，只是这样的变化很微妙，需要仔细认真地去体会。
2 《沙滩上的爱因斯坦》体现的音乐美学分
《沙滩上的爱因斯坦》主要作曲家是菲利普·格拉斯，他是20世纪最具开创性和影响力的一位后现代主义的作曲家，为了能够表现出《沙滩上的爱因斯坦》中一位钟情于音乐的数学家，他使用了极简主义音乐重复的特性，在保持一定的而精准而抽象的节奏，在音乐配乐上不断地简单的重复，但又不是毫无变化的机械重复，而是有着不同的差别。尤其是在其最魔幻的第第四幕第三景中，这也是整个剧的最高潮的部分，在这里的音乐也达到了最饱和的点，随着太空飞船的降落，太空舱门的打开，十五位演员手拿着不同的乐器同时演奏，这样的音乐形式无疑是震撼的，其音乐效果也是达到了一个新高潮。
《沙滩上的爱因斯坦》名为歌剧，但也并非以音乐旋律或者歌剧演唱为主，音乐是比文字更为抽象的表达方式，菲利普·格拉斯是以简单的音符所组成的音乐为主要元素的，在整个长达五个小的演出中，他也只用了几个音乐主题，其余更多的只是在不断地重复，每次的重复都是有着不同的而变化，在音乐的长短，乐器的组合上，还有不同的组合方式上，都会有着不同的变化，变化相当的细微，但是是不断地积累，观众也许当时并没有感觉出变化，但是一段时间的积累，就会突然发现原来已经变成了另外的一种音乐形式，观众也在不知不觉中转移到了另外的境地。
我们不能明确地将《沙滩上的爱因斯坦》中菲利普·格拉斯(Philip Glass)所表现出的音乐归到哪一类音乐类型，但其主要的音乐还是体现的极简主义的音乐观，其中不自觉地表现出他极简主义的音乐美学。极简主义音乐是兴起于20世纪60年代美国北部的一种全新的音乐形式，就像其他的音乐形式一样，很多时候我们对于他很难有一个很明确的界定，无法单纯的而定义为一种风格，或是一种技法，还是一种体裁。但是对于了解极简主义的人，一提到极简主义音乐，脑子里还是能够想象出他的形式。我们上文也对极简主义做了详尽的阐释，目的也是在于更够很好地理解本文我们重点论述的极简主义音乐。极简主义就是用“少”来表现“多”。同理，极简主义音乐也是用最少的音乐材料，将其不断地反复重复，在重复中又有存在着音乐材料的变化，形成整体完整的音乐表达。极简主义音乐有着其主要的特征，除了不断地重复反复之外，还有重要的一点就是无方向性，无目的性。是一种非常自由的形式，不束缚在特定的音乐的条条框框里面，表达出一种随意的状态，就像只我们随意反复哼唱出来的简单的调子一样。而且可以无终止地发展下去，并不是像传统音乐，以一个音乐材料开始，必然是要发展到一个什么形式，有高潮的部分，有结尾，并且表现一个什么样的主题。这些在极简主义音乐里都是没有必要的。这也是极简主义音乐的一个重要的特点及表现形式。《沙滩上的爱因斯坦》里的音乐无疑是这样的`一种音乐表现，体现着一种极简主义的音乐美学。
极简主义音乐美学所表现出的就是一种简单到极致的丰富的美，就像中国水墨绘画中的留白，太满则毫无美感，适当的空白是为了表现出更为丰富的意境，且中国水墨画追求的就是一种大繁至简，“空”、“无”的一种美学，通过墨的浓淡来表现色彩的不同，尤其是山水画中，层峦叠嶂的山在细微处有着不同。这是极简主义美学的体现。艺术在很多时候是相通的，尤其是在美学的观念上，我们认为的美有时候体现在很简单的事物上，很简单的一段音符上，音乐美学不是深不可测，无法理解的阳春白雪，有时候就是这一段重复的“Do Re Mi……”故而，《沙滩上的爱因斯坦》极简主义的美学观，尤其是在音乐上的极简主义音乐美学还需大家不断深刻地去理解。
3 结语
《沙滩上的爱因斯坦》无疑是一部伟大的歌剧，无论是在舞台、音乐和所表现出的理念都是打破了传统的戏剧的条框。歌剧最重要的音乐也是表现着很丰富的含义和意境，所体现的音乐美学主要是极简主义音乐美学，但我们不能简单地纯粹只按照极简主义音乐去看待。音乐在向我们传达一种“时间”，就像时钟的滴答声，看似单调重复却又时时不同，作曲家菲利普·格拉斯(Philip Glass)以他的音乐美学在大量的重复运用音符的过程中不断地调整。也许在初听时觉得毫无美感，但熟悉之后就会觉得“余音绕梁”。对于《沙滩上的爱因斯坦》中的音乐重复表现的形式，创作者也并不害怕，“越表现的机械，对于他的理解就会越深”，对于他表现出的音乐美学的体会也会越深刻。笔者对于音乐的欣赏还不够到位，理解的还不够深刻，对于剧中的音乐美学还需继续体会和挖掘，希望能有不同的理解和体会，也希望大家指正和补充，一起探讨《沙滩上的爱因斯坦》中的音乐美学。
音乐美学论文13
在美学范畴，音乐美学除了涉及美学的相关概念外，也涉及哲学、心理学及社会学，它们是认识和研究音乐美学的基本理论和方法，也是音乐美学的基本内容。音乐材料的感性造就了音乐感性的美学特点，音乐形式的多种多样造就了音乐形式美的基本特点，音乐由于对相关叙事内容的衬托铺垫而形成了相应的内容美。感性美、形式美、内容美为音乐美学的基本构成。本文将视角放在电视剧《抓住彩虹的男人》中音乐的美学特征分折上，通过音乐美学特征的分类，结合具体的电视剧叙事与铺陈，对电视剧《抓住彩虹的男人》的相关音乐进行分析，并结合音乐美学特征与该剧的具体叙事结构及叙事展现，探取其中颇具代表性的音乐与叙事结合之处，以分析电视剧《抓住彩虹的男人》中音乐的美学特征。
一、紧抓音乐的感性美，于凄婉美丽的爱ff叙事中融入具有感性之美的音乐元素
爱情作为人类美好的情感之一，其自身显然是感性的。电视剧《抓住彩虹的男人》将剧中爱情的基调定为凄婉美丽，通过对爱恨情仇的穿插表达实现相关爱情叙事，而相关爱恨情仇的表达不能仅仅通过对话表白。由于音乐在相关叙事过程中可以引起观众的共鸣，所以也被运用到电视剧美学的表达上，为电视剧添加了感性美学音乐元素。
本剧音乐在艺术魅力的展现上具有独到之处。艺术魅力展现的先决条件必然是物质材料的填充，感受艺术的观众必须通过感觉器官的接收才能形成对应的美感。绘画艺术通过线条的搭建实现相关艺术美的展现，而音乐必然通过音色音腔的运作配合实现声音美，进而完成音乐美学的展现。音乐感性材料的特点十分鲜明，其感性材料的选取与感性感觉不是自然而然形成的，非自然生发性是其显著特点。加之音乐本身对语义的强调不是十分明显，所以非语义性也较为突出。上述特点无不展现了音乐美学的感性美特点，电视剧《抓住彩虹的男人》的相关配乐展示了这些特点。江余初识吴彩虹并被她的善良美丽打动，剧中音乐轻缓舒适，为这一段爱情奠定了感性空灵的音乐感性美，在其随后的爱情发展中由于误会与祖辈之间的纠纷瓜葛，二者之间的爱情产生了波折，剧中配乐也开始由空灵感性变得激荡，到最后水落石出，二人经历磨难终于在一起，配乐也变得极具归属感，为音乐感性运用划上完美句号。从上述过程可见，时代风云变幻造就了主人公之间的爱情磨难，而感性音乐美的融入则为凄婉美丽的爱情叙事增添了更多光彩。
二、紧抓音乐的形式美，于民国烽烟的历史追述中展现音乐担当
1927年，黎明晖演唱的《毛毛雨》开启了中国流行音乐的大门，中国流行音乐开始登上历史的舞台。1934年，电影《渔光曲》上映后颇受欢迎，曾经创造了连续放映84天的纪录，由王人美演唱的该片同名主题曲也成为传唱于大街小巷的流行歌曲。1948年，张露因演唱歌曲《你真美丽》而红遍上海。这些典型的民国音乐对电视剧《抓住彩虹的男人》中的相关配乐产生了很大的影响。音乐不仅能表达情感，还能传递时代脉搏的跳动。该剧制作者选取能展现民国时代变迁的相关音乐，将其融人到豪门的纠葛之中，在通过多种音乐形式为观众展现音乐配乐的形式美的同时，还为电视剧的历史追述进行了美好的添加和点缀。音乐的表现形式包括音色，力量、速度、节奏在音乐里是最为重要的。创作者通过相关音乐的轻重缓急实现了相关的音乐设定，为历史追述进行了衬托。
在音乐形式上，其制作者积极开展各个类型的音乐尝试，与相关时代背景相贴合，形成了一系列不同类型、不同形式的音乐配置。以刘恺威演唱的《抓不住的温柔》为代表的背景音乐，无论是在乐器的演奏形式上，还是音乐的节奏力度把控上，均较为得当。
三、紧抓音乐的.内容美，于秀美江南的背最铺陈中进行音乐衬托
江南作为中国最为秀丽的传统美景之一，在音乐中常用民歌与丝竹等乐器表达。江南丝竹是流行于江苏南部、上海、浙江西部一带的器乐曲，乐队以丝弦和竹管乐器为主，所以称为丝竹乐，在这些地区的城市和农村都很流行丝竹乐，但风格完全不同。城市丝竹乐风格典雅华丽，加花较多，流传很广；而农村则常用锣鼓，气氛热烈、风格简朴。一些江南音乐作品，其风格韵味和形式表征就截然不同。如江南小调《无锡景》为典型的南音色彩，其旋律细腻华丽，曲风柔宛妩媚。电视剧《抓住彩虹的男人》在地域音乐的选用与展现上充分结合了江南水乡的民族音乐特色，选取了江南音乐的秀丽之处，通过上述管乐丝竹及民歌的铺陈衬托，极大地拓展了电视剧中的音乐表现形式与音乐表现内容，展现了音乐美学内容美的特点。
如何将水墨江南如诗般的意境融入到电视剧《抓住彩虹的男人》的剧情表达上？如何为凄美的爱情叙事加以虚化使其得到升华？如何在历史纠葛中探寻江南独有的风土人情以实现其历史与现实的巧妙结合？面对这一个个摆在面前的难题，制作者采取现代与古典相融合的方式，极大地扩充了相关音乐的内容设置。创作者不拘泥于表面浅层次化的音乐烘托，而是从电视剧剧情内容与情感内容上入手，对其加以深化，使其既具有叙事紧凑感又具有时代地域特色，在内容上与故事相契合，在情感上注重引发观众的共鸣。主题曲 抓不住的温柔》不仅与剧名（（抓住彩虹的男人》形成对比，引起观众的反思，同时还采用不同层次的音乐堆叠，为爱情意境的实现奠定了基础。温柔抓不住，彩虹却可以抓住，可见该剧在创作层面上的用心良苦与匠心独运。在电视剧的相关表达上，音乐不仅是音乐本身，更具有情境烘托功能和情感表达功能。电视剧 抓住彩虹的男人》在音乐的把控配合上十分独到，较好地贴合了音乐美学的相关特征，取得了可圈点的美学展现。
音乐美学论文14
论文关键词：魏晋名士；音乐美学；意义
论文摘要：魏晋时期是中国音乐史上的一个重要时期。此时人们对音乐的追求，开始面向一些新的领域，将注意力转到认识音乐自身的艺术特征及其表现方式上来，对某些理论问题的再认识，促成了音乐朝着与过去不完全相同的方向发展。这一时期最重要的两位代表人物——阮籍和嵇康。以他们各自的论著阐述了自己的观点。本文由魏晋南北朝时期美学产生的背景开始，论述这一时期的两位主要代表人物及其他们的主要理论以及对后世产生的影响。
一、前言
魏晋南北朝时期是一个具有重大意义的转折时期，这一时期的哲学思想、建安文学、田园诗文、书法绘画等都对后世产生了巨大的影响。在先秦、两汉哲学和美学所奠定的深厚基础上又获得了全面的发展。像这一时期这样高度重视审美与艺术问题，专门性的著作如此之多，思想如此之丰富多彩，是后世再也不曾见到的。名士一词最早见于《礼记月令》：“勉诸侯，聘名士，礼贤者。”此名士，大约相当于隐士。不过随着秦汉大一统王朝的建立，士子们对君王和国家政权表现出极大的热情，纷纷干禄求进，不再隐居不仕，丛而使名士之含义由隐士逐渐向有名气的人转化。这些名士们旷达不群，傲然独得，高度任性。在他们身上体现出率真脱俗，潇洒自然的人生态度和避世超俗，纵情任性，蔑视礼法，我行我素的话言行风范。整个时代都张扬着一种慷慨奔放的奇丽空气。正如余秋雨先生在他的散文《遥远的绝响》①中说的：“这是一个真正的乱世。是一个无序和黑暗的‘后英雄时期’。名士们为了所谓的风流，风度，风神，风情，风姿付出了沉重的代价。”后世所看到的这些风貌特异的魏晋名士，他们的形成却有着极其复杂的历史背景。
二、魏晋音乐美学的代表人物及其主要理论
（一）阮籍的《乐论》及他的美学思想。
1.《乐论》及阮籍的音乐美学思想。
阮籍的音乐美学思想，集中表现在他的《乐论》中。阮籍从他的中心论点出发，认为最好的音乐就是“平和之声”，反对哀音淫声，认为音乐的功用可以“使人精神平和，衰气不入，天地交泰，远物来集。”他之所以斥责哀音，因为哀音使人情绪波动变化，使人内心的压抑得到某种认同与宣泄。所谓的淫声，就是对人的情感意绪的自然放纵，也即依据人的感性需要，从而满足这一需要。阮籍也认为音乐会随着时代的变化而变化，但万变不离其宗，变得只是形式，至于“乐声”要达到的审美的人的心灵趋于宁静，这样不悲不喜，灵魂哪儿来大起大落的震荡？阮籍这篇短短的《乐论》，多次提到的“平和”，并把它树为音乐之本，“平和之声”也是要扼制人的欲望，减弱人的创造激情与活力。阮氏的音乐思想，客观上是捆缚阻碍人的激情与生命活力的，是儒家音乐思想的忠诚继承者。其中透出的儒家文化的理性精神，愈来愈走向了文明的反面，变为窒息人扼杀人的音乐创造力的精神桎梏，更可忧虑的是这一桎梏隐形地深埋渗透在我们的血脉中，使它化为一种深层意识而暗暗地规定制约着我们的现在。
（二）嵇康的《声无哀乐论》及他的美学思想。
嵇康就说于音乐的言论其实并不多，一生共留下两部著作。一部《声无哀乐论》，(以下简称《声论》)，另一部《琴赋》。其中《声论》一书探讨了音乐美学问题，笔者认为它基本反映出了嵇康的音乐美学思想。为了清晰起见，下面从三个方面来分析。
1.音乐本质问题。
音乐的本质问题是音乐美学诸问题中具有关键性的论题，对它的认识将直接影响到对其它一系列问题的认识。在研究中，历来都为争论的焦点。因为，它一方面居于音乐美学思想大厦的底层，另一方面它是世界观和音乐观相联系的纽带。关于音乐本质，《声论》认为音乐是一种独立的客观存在，它与人的.主观意志无关。作者从两个方面对这一论点进行了论述。
（1)音乐的产生：“夫天地合德，万物资生，寒著代往，五行以成，章为五色，发为五音”。作者认为音乐是自然的产物，不为人心所生，它相对于人来说，彼此独立而存在。
（2)音乐的自身表现：作者认为声音和谐地组织起来，最能感动人心。人们赏乐时，最大的愿望是能够从音乐中感受到和谐的存在，而这和谐也正是人们倾注的对象。它不仅形式上给人的感官带来快慰，而且使得人能从心理上获得平衡。
2.音乐的审美感受。
音乐的审美感受问题是《声论》全文探讨的中心，作者从“声无哀乐”的论点出发，以自己对音乐本质的认识为基点，阐述了对审美客体和审美主体性质的理解。涉及到具体问题时，得出以下几种结论。 （1)音乐不能唤起人相应的情感。
（2)人在听音乐时会有情感出现，但各人的体验却不尽相同。只有和谐的音乐才能激发起人的情感。
（3)欣赏者不能与创作者在情感上获得沟通。
3.音乐的社会功用。
《声论》对于音乐的社会功用问题的探讨，是围绕着“移风易俗”间题展开的。他认为音乐进行移风易俗依靠的是自身的“和谐”精神。嵇康所认为的音乐“和谐”精神对于人心的影响，是指人在赏乐时能够获得性情方面的陶冶。
三、魏晋名士对音乐美学思想做出的贡献对后世的影响
魏晋时期社会的政治、经济、文化、思想方面发生的巨大变化，给音乐的发展带来巨大影响。
汉以来，儒家音乐思想，对其音乐进一步的发展起了极大的阻碍作用。嵇康音乐思想的出现，打破了这种可悲的局面。他在《声无哀乐论》中，指出音乐本身并无哀乐可言，音乐中属于艺术的因素，同儒家附加上的非音乐艺术因素相区别，他反对将音乐同哀乐混在一起。与此同时，他直接将注意力集中到音乐艺术的许多具体方面，对某些乐器的艺术表现特点作了分析比较，究其异同，对一些乐曲进行了鉴赏，对有关音乐美学及表演艺术等理论问题有所探讨。这种种探讨的作法本身就应看做是一大进步。而阮籍的《乐论》影响不大的原因在于并没有提出一种新的观点，但这不能说《乐论》缺乏研究价值。一方面，《乐论》作为阮籍直接阐述艺术问题的著作，是探究阮籍美学思想的重要文本;另一方而，虽然《乐论》所表达的观点基本上同儒家传统乐论一脉相承，但并不是儒家乐论的转述，而是站在自己的立场对儒家乐论的阐释发挥，因而其审关观念在思维方式及总体特征上呈现出新的面貌。
注释：①《遥远的绝响》是余秋雨的代表作之一。文中主要描写了魏晋时期两位名士--阮籍和嵇康，文笔优美，意蕴深刻。
参考文献：
【1】李泽厚刘纲纪：《中国美学史》安徽文艺出版社
【2】修海林罗小平：《音乐美学通论》上海音乐出版社
【3】夏野：《中国古代音乐史简编》上海音乐出版社
【4】杨荫浏：《中国古代音乐史稿》人民音乐出版社
【5】蔡仲德：《中国音乐美学史资料注释》人民音乐出版社
【6】李泽厚《中国古代思想史论》，人民出版社，1985年版。
音乐美学论文15
前言：
德国生物学家海克尔在1866年提出了生态学的概念，经过自然科学和人文科学的不断发展，生态学已经逐渐渗入到了其他学科之间，特别是在音乐美学的研究中实现了较为广泛的应用。从音乐美学的角度来看，音乐创作包括了一度创作、二度创作和三度创作。其中的一度创作指作曲家的创造，二度创作指表演者的再创作，三度创作指欣赏者的内心再创造，其中的一二度创作在整个音乐活动占据着十分重要的角色，如何在生态学的视域下加强对音乐美学的研究已经成为音乐研究领域当中的重要内容。现阶段，我国音乐界的工作者对于生态学在理论层面所进行的研究还不够多，对一二度创作的研究成果也要相对较少，为此，应进一步加大生态学视域下的音乐美学研究，特别是民族歌曲的一二度创作，从而促进我国音乐事业的健康发展。
一、生态学视域下对音乐美学研究的意义
(一)拓宽音乐美学研究论域
基于生态学视域下的音乐美学研究不仅可以拓宽音乐美学的相关研究论域，还可以从生态学的角度对音乐创作行为和成果进行观察和分析，从而使得音乐工作者对歌曲产生更加深入的理解。在我国音乐文化中具有着丰富的生态意识资源，利用当代生态文化观对歌曲进行分析，并将其上升到理论层面之上，将其纳入到生态学的研究视域当中，会使得人们对歌曲产生新的认识。例如，使用生态学的理论对我国民族原生态民间音乐和器乐作品等进行剖析，对于歌曲的内涵会实现更加深入的领悟。
(二)改变创作者主体思维模式
一些学者认为，生态学视域下的研究应该突破主体二分二元对立的固定认识论思维模式，并将人与自然之间的整体和谐关系作为原则，以此来对相关内容进行研究的一种哲学思想和价值观念，实际上是一种主客统一的有机整体观念。生态学视域下的音乐美学研究能够帮助推动音乐工作者生态文化观念的发展和健康生存价值观的确立。音乐工作者在日常的工作中能够坚持这种和谐的心境和崭新的思维方式，其在音乐创造和理论研究上都会取得较大程度的飞跃。
(三)丰富音乐教育理念和强化教育成效
基于生态学视域下的音乐美学研究的意义还体现在丰富音乐教学理念和强化教学成效之上。对于音乐教学而言，让学生对具有生态美的音乐作品进行欣赏和表演，能够进一步提高学生的生态审美观，;教师在教学中对音乐审美、立美予以高度的重视，能够使得学生立于生态学实践当中，对于学生树立生态文化观与价值观，成为具有生态人格美的新一代具有十分重要的现实意义。另外，基于生态学对音乐美学进行研究还能够扩展生态学的研究领域，提高了生态学研究的多元化。
二、一二度创作的概念及二者之间的关系
(一)一、二度创作的概念
在音乐美学领域当中，将音乐的创作活动主要分为了一度创作、二度创作和三度创作这三大部分，其中的一度创作指的是作曲家的创造，二度创作指的是表演者对歌曲的.演绎，三度创作则是指欣赏者在内心层面之上对歌曲所进行的再创造。
对于一首声乐作品而言，词曲作者所完成的完成的谱面的艺术表现是“一度创作”的过程，而要把词曲作家的创作意图用声音和情感将其准确和传神地表现出来就要依靠表演者的“二度创作”。“二度创作”实际上指的是在把谱子上的标记和基本情绪唱对的基础之上，在演唱的过程当中还表现出了歌曲中所蕴含的深层内涵，显示了自己与他人具有差异性的艺术个性，使得歌曲因其演唱而增色的声乐表演活动。
通常情况下，如果将音乐作品的“一度创作”比作是盖房子，那么”二度创作“就是对盖好的房子所进行的装修，实际上演唱者对听众实现征服的重要手段，特别是对于民族声乐而言，其不但包括了演唱民族风格较强的歌曲、歌剧等作品，而且还包括了演唱艺术歌曲在内的各类新创作的声乐作品、戏曲、民歌等。
(二)一、二度创作之间的关系
对于声乐作品的演绎来说，表演者一方面要完成乐谱谱面的视唱，另一方面还需要将将声乐作品中所蕴含的思想情感和内在含义准确且有效的传递给听众，在揭示歌曲所具有的深层内涵的同时融入自己的艺术个性，使得听众不仅能够感知到声乐作品中的思想内容，而且还能够从中获得艺术上的满足。对于声乐作品的一度创作和二度创作而言，二者之间的关系主要体现在以下几方面当中：
其一，二度创作应该充分的忠于一度创作中的基本内容和思想，不能与之实现相分离，也不能对声乐作品的内容和基调进行随意的歪曲，与作者的创作初衷相背离。一度创作是二度创作的基础，其目的是为了加强一度创作的感染力，而不是削弱或改变其原有的主题。
其二，在进行二度创作的时候，应该对一度创作的时代背景和地域、民族风格等实现充分的尊重，不论演唱者的演唱有何特色，都不能超出声乐作品的民族、地域和时代风格的范畴。
其三，二度创作需要在表演者自身技术能力的许可范围之内，要想将歌曲演绎的淋漓尽致，就需要进行与演唱者自身技术能力和创作意图相匹配的二度创作，否则将会起到适得其反的效果。
三、生态学视域下音乐一二度创作的实践
(一)音乐一二度创作立美实践中的生态学思想
从生态学的视角去认识音乐创作实践，主要可以分为以下五种类别：一是明确传达环境保护思想和生态学观点的歌曲，例如《山丹红花开》、《爱伊河之歌》等，其中都情真意切的表现出了宁夏回族地区的风景之美;或者是《六盘山歌》、《天下黄河九十九道弯》等，都属于这一类的范畴当中。二是一方面表达了对大自然的赞颂和热爱，另一方面又体现出人与自然和谐相处的音乐作品，例如《罗山初恋》一曲中就表达了人类对自然的崇敬与感恩，人类融合于自然怀抱中的喜悦知情。三是通过对当代噪声盈耳的实际环境的表现来折射出人类失调的心理环境，表现出对和谐生态环境的一种追求。四是专门设计的环保音乐，在美妙抒情的音乐当中加入了自然的音响或模拟的自然音响，使得听众在其中感受到置身田野、回归自然的平和心态，增强听众热爱自然和保护生态的观念。五是原生态的民间音乐。
一度创作者的自身形成和发展了生态学观的观念，其在对音乐作品进行创作的过程当中个就会有意识的体现生态意识，并对与生态有关的题材予以高度的关注，且能够充分的展现出自己的才华，在音乐作品中构建生态美。二度创作的表演者在对歌曲进行演绎的时候能够积极的挖掘其中所蕴含的生态美因素，对其实现创造性的再现，突出歌曲所具有的鲜明特色，通常会给听众带来一种全新的审美感受。
(二)音乐生态美创造与欣赏本土化之间的协调
从宏观的层面来看，将生态学视域下的音乐美学研究放置在中华民族文化的范围当中，实际上也就是对具有生态文化传统的民族审美观、民族特有生态环境、制度文化、语言、风俗等和音乐创造之间的关系，从微观上来看则是对民族心理结构对音乐生态美创造的影响，特别是民族及地域的审美习惯等方面。另外，生态危机具有全球性的特点，因此生态学也是世界性的一个概念，这样来看在立美、审美的创造活动中则具有了共同的心理基础和共性。例如宁夏回族地区的音乐，从大文化背景来看，我们现在所说的穆斯林是中国的穆斯林，宁夏回族是用汉语对其音调进行演唱，如六盘山地区的“山花儿”和宴席曲等;从题材来看，一些民歌是以往西北地区和汉族之间所共享的，因此其在一二度创作的时候也会有所交融的地方。
(三)基于一度进行二度创作中的表现方法
首先要对歌词进行析。对于声乐作品而言，其基本上都是通过音乐语言和文化语言相结合的方式来揭示出人性和情感等主题，从而引起听众的共鸣的。歌词是表现声乐作品思想内容的重要手段，歌词实际上是对声乐作品中音乐形象的一种高度概括和浓缩，且每个字都抑扬顿挫，每句都起承转合，因此在对其进行二度创作的时候应对歌词语言进行反复的推敲。例如，宁夏地区特色歌曲《罗山初恋》，其中的“多年以后我再回到这宁夏的山川，大漠的风光依旧美丽我想起了从前”，从生态学的角度来看，其体现了对自然环境的热爱。
其次，要对声乐作品进行深入的剖析。声乐作品张包括了各种音乐要素，如节奏、旋律、速度、音色、节拍、术语、调式、力度、音区、调性、曲式等，因此在对其进行二度创作的时候需要准确设计和把握歌曲的基调、层次等。例如宁夏回族地区中原生态的“山花儿”，其在创作的过程中继承了《诗经·豳风》、《汉魏南北朝乐府》中的《陇山歌》、《陇板歌》、《陇原歌》等，体现出了生态学中的继承性和可持续性。
再次要对歌曲的风格实现较好的把握。每一部声乐作品都具有其特定的思想表达方式、创作意图等，在对其进行二度创作的时候，要想对歌曲的深刻内涵实现较好的呈现，就应该对其民族风格、地方风格、时代风格、作曲家和流派风格等实现全面的把握，然后再结合演唱者的自我体验和艺术技巧来对其实现展现。例如抒情歌曲较为舒展流畅，颂歌较为庄严热烈，叙事歌曲较为形象生动，而小夜曲则柔和甜美。
(四)生态学下一二度创作应注意的问题
一方面要注意对音色的调整。音色是对歌曲情绪和情感实现基本定位的主要方式，对于不同的歌曲应选择不同的音色来对其进行二度创作;一般情况下，如《花儿与少年》、《妹妹的山丹花儿开》等表现快乐和幸福等情感的歌曲其音色应偏明亮，而《穆圣赞歌》、《劝善歌》等表现祈祷、理想等情感的歌曲音色应该比较圆润，略带一点暗色。另一方面还应该注意对歌曲中高潮点、静点和转折点的把握，在对其进行二度创作的时候要注意情绪的感染。
四、结语：
综上所述，本文以宁夏回族歌曲的一二度创作实践为例，以生态学视域为基础，对音乐美学进行了深入的分析和研究，共得出以下几点结论：
(1)基于生态学视域下的音乐美学研究能够拓宽音乐美学的研究论域，从生态学的角度对歌曲进行观察和分析，对歌曲创造者和演绎者的主体思维模式更新具有积极的影响，而且还使得音乐教育的理念得以丰富，强化音乐教育效果。
(2)生态学视域下的歌曲一度创作，要求创作者自身具有较为完善的生态美学观念，在对歌曲进行创作的过程中能够有意识的体现生态意识，对生态美的相关题材予以关注，从而体现出音乐作品中所具有的生态美。
(3)对于生态学视域下的歌曲二度创作而言，要求表演者能够对一度创作中的生态因素实现发现和挖掘，并对其实现创造性的再现，突出歌曲中所具有的鲜明的生态特色，通过全新的演绎来带给听众别样的感受，使其接受生态思想的影响。
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